Los duendes de las estadísticas de WordPress.com prepararon un informe sobre el año 2013 de este blog.
Aquí hay un extracto:
El Museo del Louvre tiene 8.5 millones de visitantes por año. Este blog fue visto cerca de 92.000 veces en 2013. Si fuese una exposición en el Museo del Louvre, se precisarían alrededor de 4 días para que toda esa gente la visitase.
La figura del Mad Doctor es el tema monográfico de la quinta entrega de la revista digital La Caja de Pandora, publicación en la que este blog aporta su granito de arena de manera habitual. En este número se ofrece un repaso a la figura del científico loco desde su primera forma, el Doctor Frankenstein, hasta la actualidad, abordado desde la perspectiva del cine, la literatura, el cómic, la ilustración, el manga o el anime.
Para la ocasión, la revista ha contado como valor añadido con la inestimable colaboración del escritor gaditano Ángel Torres Quesada, autor de reconocida trayectoria en la ciencia ficción patria, con un relato inédito titulado La tienda de los sueños que la revista publica íntegramente.
Podéis descargarla de forma gratuita o disfrutarla on-line en este enlace:
http://cajadepandoramagazine.blogspot.com.es/2012/10/mad-doctors-descarga-del-nuevo-numero.html
Esta entrada está dedicada a todos vosotros, los lectores de este blog, que durante la madrugada de hoy ha alcanzado la cifra de 500.000 visitas (789.000 hits y 3.311 comentarios). Una cifra redonda que bien merece este agradecimiento por vuestra confianza durante todo este tiempo.
Quién me lo iba a decir cuando comencé esta andadura… Pero prometo no ponerme pesada con el autobombo hasta no alcanzar la mágica cantidad de un millón de visitas. Hasta entonces, seguiré dedicando, con toda la pasión, una parte de mi cada vez más escaso tiempo a rellenar páginas sobre cine -y algún que otro desvío- en este maravilloso mundo de la blogosfera.
Para Rafa. Hoy cumple años, lejos. Felicidades…
Asesinos es el tema monográfico de la última entrega de la revista digital La Caja de Pandora, que ya va por la tercera y mejorando con cada número. 120 páginas repletas de sangre derramada por criminales en serie llevados al celuloide, pero también hay lugar para entrevistas con Borja Crespo, Daniel Mares o Justin Shady, y para la literatura y el cómic ambientados por ilustraciones a cargo de Miguel Ángel Martín, Tomás Serrano o Antonio Callau. Un auténtico crisol sanguinoliento para una desbocada edición que plagan de sangre figuras como Jack el destripador, Charles Manson, Tomas Ripley, Hannibal Lecter o Caetano Santos, intercalados entre los más clásicos del cine y la literatura: desde M, el vampiro de Dusseldorf a Justino, el asesino de la tercera edad, pasando por Haneke, Truman Capote, Patricia Highsmith o auténticos films de culto como Henry, retrato de un asesino, o imprescindibles del mundo del cómic como Alan Moore y su obra maestra From Hell.
Dentro de la línea más habitual, este blog ha colaborado para la ocasión con dos artículos de dos obras maestras cinematográficas: La película de Michael Powell, El fotógrafo del Pánico, el asesino que graba a sus víctimas mientras las mata con un cuchillo instalado en la propia cámara, y un clásico entre clásicos: Robert Mitchum, dirigido por Charles Laughton, y su mítico papel en La noche del cazador, persiguiendo a dos pequeños herederos millonarios mientras tratan de huir del terrorífico reverendo que lleva tatuado en sus nudillos las palabras L-O-V-E y H-A-T-E
La revista, de difusión gratuita, puede descargarse desde este enlace. Que la disfruten…
En breve, este blog reiniciará su andadura. Mientras tanto, os invito a recuperar una escena de Cine, como no, de la mano del gran Charles Chaplin, hace mucho tiempo, allá por 1940.
Recordad que después de rodar El Gran Dictador, Chaplin fue perseguido y tuvo que salir de los EEUU y refugiarse en Francia.
Pero los tiempos cambian, sin duda para mucho mejor…
Feliz comienzo de 2012 con mis mejores deseos para todos los lectores de este espacio. Hasta muy pronto 😉
Asistimos en Valencia a toda clase de venta de humos sobre la reciente cancelación de la Mostra de Cinema Mediterrani, que nacía en los 80 como encuentro para la difusión cinematográfica pero sufría desde hace una década metamorfosis políticas varias, quedando en las últimas ediciones no solo muy distante del objetivo inicial sino también muy lejos del gran acontecimiento ciudadano que los actuales políticos municipales pretendían como rédito de un evento puramente cultural. A pesar de todo nunca dejó de acoger una parte de cine de calidad, aunque la lectura de nuestras rancias autoridades sea que no era gran cosa para la pasta larga que costaba, esas autoridades de cultura mascletera para las que lo verdaderamente importante de todo esto no era sino que diversos y acólitos agentes intermediarios se llevasen buena parte del beneficio de la gestión mientras ellos lograban captar actrices y actores -en más o menos decadencia- que cual marionetas de feria lucían en la ciudad en un derroche de provincianismo que los valencianos sufrimos de manera casi constante a cargo de nuestros bolsillos y nuestra vergüenza. Porque en realidad a la Mostra le robaron el alma en Valencia hace ya muchos años, unos a golpe de taquillazo, otros a golpe de gore y aventuras, pero todos con el denominador común del talonario bajo el sobaco, la puta pela y la demagogia caciquil que transformó aquel festival punto de encuentro de la diversidad cultural mediterránea en un barco a la deriva que acabó por zozobrar.
A pesar de este panorama como agrio telón de fondo, se han conjugado esta semana diversos factores que dan como resultado un conjunto de propuestas cinematográficas nada desdeñables, todas juntas y a la limón, una pequeña luz en el oscuro túnel del panorama cultural valenciano. Regateando a pensantes y pudientes, la semana ofrece a los cinéfilos un abanico de posibilidades más que interesantes para ver buen cine en pantalla grande. Tomen nota y aprovechen mientras no se dan cuenta, porque pocas son las ocasiones que pintan tan bien para el disfrute cinematográfico.
Por un lado tenemos buenas perspectivas en cuanto a películas en estreno. Roman Polanski con Un dios salvaje, adaptación de la obra teatral de Yasmina Reza que podemos ver en multisalas o en versión original subtitulada. Un trabajo que seguro no me pierdo, a pesar de que en las últimas semanas no le encuentro las 25 horas que necesito al día, pero todo lo que salga de la cámara de Polanski merece, a mi juicio, ser visto, y Un dios salvaje no es una excepción.
Otra propuesta de cartelera más que interesante viene de la mano del argentino Gustavo Taretto y su Medianeras, con Pilar López de Ayala como protagonista, película presentada en la Sección Oficial de la Seminci de Valladolid y en el último Festival de Berlín con beneplácito de crítica y público. El también argentino Carlos Sorín nos sorprende esta vez con un thriller titulado El gato desaparece, que podremos ver a partir del viernes 25, y que narra los sentimientos contrapuestos de un hombre cuando regresa a su casa tras ser dado de alta después de varios meses de internamiento en una clínica psiquiátrica como consecuencia de un violento e inesperado brote psicótico. Y también a partir del 25 podremos deleitarnos con la última propuesta de David Cronenberg, Un método peligroso, la turbulenta relación entre el joven psiquiatra Carl Jung (Vigo Mortensen), su mentor Sigmun Freud y Sabina Spielrein. Al trío se le une cual aliño un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites, lo cual no es poco decir tratándose de Cronenberg.
Pero si el panorama de estrenos pinta realmente bien, no es para menos la actividad de la Filmoteca durante esta semana y la venidera. De momento por 1,5 euros, gratis con el carnet de estudiante, hoy sábado nos podemos permitir ver en pantalla grande y subtitulada El Decamerón, dirigida en 1971 por Pier Paolo Pasolini, aguda crítica al moralismo y al puritanismo, lúcida y bien realizada, al pelo para una jornada de reflexión. Dentro del ciclo dedicado al director italiano, se proyecta el domingo 20 Los cuentos de Canerbury, buen responso después de cumplir nuestra misión democrática del voto, y también la provocativa Saló o los 120 días de Sodoma, el próximo martes 22 y el jueves 24 en distinto horario.
Sin abandonar la Filmoteca, durante la semana podremos elegir asistir al pase de El fotógrafo del Pánico, excelente reflexión sobre cine y vouyerismo de Michael Powell; Funny Games, de Michael Haneke; Million Dollar Baby, de Clint Eastwood; Las uvas de la ira, de John Ford o Vals con Bashir, de Ari Folman. Y dentro del ciclo de homenaje a Berlanga, la Filmoteca repone uno de sus mejores trabajos, El Verdugo, mientras repite pase Les quatre verités (Las cuatro verdades). Como broche cinematográfico semanal, el viernes recupera al Agustí Villaronga de 1986 con la proyección de la dura, asfixiante y sugestiva Tras el Cristal, la historia de un antiguo oficial médico nazi paralizado en un pulmón de acero tras un accidente que comienza a recordar sus prácticas sexuales perversas sobre personal muy joven durante la guerra: sin exposiciones explícitas ni demasiado gore, pero ríanse de A Serbian Film…
Fuera de estos canales, en La Nau, Centre Cultural de la Universitat de València (C/ Universitat, 2), dentro de las Jornadas Polonia y Les Fronteres de Identitat Europea, proyecta en el campus dos películas de esta nacionalidad, imposibles de ver por otro medio: Jasminum, de Jan Jacub Kolski (2006), y Amor Reclutado, de Zwerbowana Misolic (2010), el 23 y el 30 de noviembre respectivamente. La entrada es libre y quienes estéis interesados podéis encontrar más información en este enlace.
Y para finalizar, cogiendo el coche y unos kilómetros al sur de la capital, el Club Cinema Alzira repone para quienes se la hayan perdido Inside Job, documental de Charles Ferguson, una importante crónica no solo sobre las causas, sino también sobre los responsables de la actual crisis económica que ha puesto en peligro la estabilidad económica del planeta y significado la ruina de millones de personas que han perdido sus hogares y empleos, amén de lo que quede por llegar.
Merece la pena tomar buena nota, intentar planificar el tiempo para sentarse y disfrutar de una semana de buen cine para todos los gustos.
Se llama precuela, protosecuela o tambien presecuela a una obra, ya sea una película, historieta, serie de televisión, videojuego, novela, etc., creada después de una entrega original que tuvo éxito, pero cuya referencia cronológica se sitúa en el pasado, generalmente desvelando las causas o los orígenes del argumento de la primera entrega. Ninguno de los tres términos aparece registrado en el diccionario.
A modo de ejemplo, en la conocida serie cinematográfica que comenzó con La guerra de las galaxias (Star Wars: Episode IV – A New Hope, George Lucas, 1977), La amenaza fantasma (The Phantom Menace, George Lucas, 1999) se la ha denominado precuela, pero en cuanto a su producción y comercialización es una secuela. El cine viene recurriendo a este tipo de películas al menos desde 1948, cuando se adaptó Another part of the Forest, una obra de teatro de 1946 que narraba los antecedentes de La loba (obra de 1939 llevada al cine en 1941). –Fuente, Wikipedia–
La palabra precuela es un neologismo copiado del inglés prequel (término que apareció impreso allá por 1958 en un artículo de Anthony Boucher en The Magazine of Fantasy & Science Fiction, según el Oxford English Dictionary). Secuela deriva del latín «sequela», y ésta a su vez del verbo sequor, «seguir», no existiendo en esta lengua el término prequela ni un verbo «prequor». Para el castellano se han propuesto también los términos presecuela, de pre- (lat. prae, «antes») y secuela (a su vez del latín «sequela», secuela) y protosecuela, de proto- (del griego πρωτο; el primero, el principal,). Ninguno de los tres términos aparece en el Diccionario de la Real Academia Española, que tampoco registra la acepción secuela para referirse a una obra de ficción. La construcción de protosecuela y presecuela sigue un mecanismo habitual en el uso de la lengua española, aunque el significado que se desprendería de sus componentes no se corresponde exactamente con el fenómeno referido: protosecuela o presecuela, significarían literalmente primera secuela o lo anterior a la secuela, cuando en realidad lo característico de estas producciones es que narran los hechos anteriores a una historia y no a sus secuelas.
El origen del planeta de los simios es un entretenido film para pasar una tarde de cine familiar, sin más pretensión que acompañarlo de una buena tonelada de palomitas. La curiosidad la motivó el que absolutamente todas las críticas leídas a raíz del estreno califican la película como precuela. Pero hay que hacer un ejercicio de imaginación suficiente para afirmar que se trate de una precuela del original El planeta de los simios, de Franklin J. Schaffner, 1968, en el sentido que se pretende con el palabro, más allá de la intención comercial del título.
El Festival Internacional de Cine Cinema Jove, que se celebra en Valencia del 17 al 24 de junio, cumple este año su vigesimosexta edición, traspasando su cuarto siglo de fructífera andadura fiel al espíritu con el que fue creado en 1986: ser punto de encuentro de cineastas jóvenes y servir de plataforma para dar visibilidad, respaldar y premiar la creación cinematográfica.
Especializado en cine emergente y articulado por sus dos secciones oficiales a competición, la de largometrajes y la de cortometrajes, Cinema Jove ofrece durante ocho días al año el cine más inquieto, trasgresor e inconformista, tanto en sus propuestas estéticas como narrativas. Un cine que trata de anticipar las tendencias de los próximos años, como en su día hicieron cineastas como Alejandro Amenábar, Juanma Bajo Ulloa, Álex de la Iglesia, Rafi Pitts, Andrew Dominio, Bryan Singer o Matteo Garrone, que presentaron también aquí sus primeros trabajos a competición cuando aún eran unos desconocidos.
Para la presente edición, se ha seleccionado para la Sección Oficial a concurso 8 películas y 57 cortometrajes con enfoques y miradas cinematográficas muy distintas que configuran un mosaico heterogéneo del cine contemporáneo.
Úber uns das Al/Above Us Only Sky es el largo con el que el alemán Jan Schomburg (1976) desembarca en Cinema Jove después de haber concurrido en la sección Panorama Special de la Berlinale el pasado febrero y haberse alzado con el Europa Cinemas Label a la mejor película europea. La cinta, que será estrenada en la inauguración del Festival, narra el encuentro entre una joven viuda desorientada, encarnada por Sandra Hüller, galardonada con el Premio a la mejor interpretación en Berlín y Sitges por Réquiem (Hans-Christian Schmid, 2006), y un profesor universitario, al que da vida Geprg Friedrich, conocido por su trabajos en La pianista (Michael Haneke, 2001) o Import/Export (Ulrich Seidl, 2009), que le recuerda a su difunto marido.
Merecedora de La Luna de Valencia de Cinema Jove en 2006 por su corto A bras le corps, la joven cineasta Katell Quillévéré (1980) regresa al Festival para estrenar su primera película, Un posison violent. Un retrato generacional sobre el despertar sexual, la inexorabilidad de la existencia y la pérdida de la fe, que Quillévéré plasma en la vida de una adolescente repleta de incertidumbres tratando de aferrarse a la vida después del abandono de su padre. La directora ha dirigido también dos cortos, L’Imprudence y L’Echappé, que han sido seleccionados para un buen número de festivales.
Presenta también su primer largometraje en la sección oficial, el norteamericano Braden King (1971). Su película Here, estrenada este año en el Festival Sundance, configura un dramático film que narra el nexo amoroso surgido entre un cartógrafo de mapas por satélite y una fotógrafa que emprenden juntos un viaje por Armenia.
Desde Polonia, Marek Lechki (1975), una de las voces emergentes más originales del cine polaco, recala este junio en el festival con su ópera prima, Erratum. Un trabajo distinguido por la Association of Foreign Organizers of Polish Film Festivals y el Premio de la Prensa 2010 en el Festival de Cine Polaco, que presenta la travesía emocional de un respetado padre de familia que regresa a su pueblo natal y se topa de golpe con su pasado. La crisis actual de los valores y las no siempre fáciles relaciones entre padres e hijos envuelven esta historia de catarsis existencial.
Afincada en Alemania, la directora suiza Christine Repond (1981) aborda en su debut cinematográfico, Silberwald/Silver Forest, el fenómeno de la inmigración y los brotes xenófobos acaecidos en los últimos años en Suiza. Una cinta que nos sumerge en el mundo de los skinsheads a través de la escalofriante experiencia de un adolescente que se integra en un grupo de cabezas rapadas en la búsqueda por definir su identidad. Repond es autora de cortos como Punch Me, Toilets o Mit oder ohne.
Filmada clandestinamente en Teherán justo antes de las elecciones de 2009, Aragh Sagee/Dog Sweat es el primer largo de ficción del cineasta iraní Hossein Keshavarz (1977). Un retrato sobre la juventud persa actual y la falta de libertades, cuyos jóvenes protagonistas tratan de buscar una vía de escape para poder burlar la censura imperante. La película ha sido reconocida en diversos festivales de cine de Roma y Austin y nominada a los Independent Spirit Award. Keshavarz ha trabajado como productor en Circumstance, que se alzó con el Premio del público este año en el Festival Sundance.
Junto a las seis óperas primas, aspiran también a la Luna de Valencia dos cintas que nos trasladan a la estepa siberiana y a los paisajes de la antigua Yugoslavia con dos historias que se centran en las realidades sociales. Resultado de diez años de trabajo es Siberie Monamour (2011), el segundo largo de Slava Ross (1966), una poderosa historia de la vida y la muerte en los márgenes de la sociedad rusa que transcurre en una aldea abandonada de Siberia. El talento del cineasta se dio a conocer en Meat, corto que atesora una treintena de premios y que ha sido incluido por el Centro de relaciones de escuelas de cine y televisión de la UNESCO en el programa internacional para el estudio del cine como herramienta escolar.
Y con una experiencia de dos películas en su haber, Pedrag Velinovic (Serbia, 1966) concurre a esta vigésima sexta edición de Cinema Jove con su tercer largometraje, Motel Nana. Un viaje melancólico por la vida cotidiana de la posguerra de Bosnia y sus dramas sociales emprendido por un joven maestro de Belgrado y una joven musulmana.
La Sección Oficial de Cortos de este año acoge 57 trabajos del panorama nacional e internacional que sobresalen por la variedad de géneros en los que se inscriben: Thriller, comedia, ciencia ficción, cine experimental, animación y hasta el género musical.
De nuestra geografía destaca la figura de la actriz Natalia Mateo (1975), nominada a un Goya por El patio de mi cárcel (Belén Macías, 2008), que presenta su faceta como directora con su segundo cortometraje, Qué divertido. Sugerente resulta también el corto de Aitor Echeverría (1977), Morir cada día, presentado el año pasado en la Seminici, y el de Victor Carrey, La huida, ganador del premio del Festival Internacional de cortos de Bucarest.
De fuera de nuestras fronteras llegan cintas de gran calado internacional como Na Wewe (Bélgica), de Ivan Goldsch (1958), nominada al Oscar al mejor cortometraje y ambientada en Burundi durante las masacres de 1994 entre hutus y tutsis. Singular es la propuesta del cineasta de culto Nicolas Provost (1969), que llega a Cinema Jove con Startdust (Bélgica), una cinta experimental que, como la mayor parte de los cortos del cineasta, se ha exhibido en galerías de arte. Llamativo es también el corto eslovaco Kamene, en el que Katarina Kerekesova (1974) ha confeccionado un musical de animación de muñecos, combinación que raras veces se da, y el trabajo Fröken Märkvärdig & Karriären (Dinamarca, Irlanda, Suecia), de Joanna Rubin, corto cuyos derechos de emisión ha comprado la cadena Arte. Destacan también por sus distinciones el corto rumano Colivia/The cage, con el que Adrian Sitaru (1971) logró el Premio Vila do Conde; la cinta Apele Tac (Alemania-Rumanía), de Anca Miruna (1979), estrenada este año en la Berlinae; y Tremblay en France (Francia), de Vincent Vizioz (1975), premiada en el Festival de Cortometraje de Clermont-Ferrand.
En la sección de retrospectivas, el festival pone este año su foco de atención sobre la trayectoria filmográfica de tres grandes cineastas del panorama internacional: El alemán Jan Harlan, productor de Stanley Kubrick durante treinta años, la directora checa de cine de animación Michaela Pavlátová, y la directora española Chus Gutiérrez. En reconocimiento a la vitalidad y consolidación de sus carreras, el Festival dedicará una retrospectiva a cada uno de ellos y les hará entrega del Premio Luna de Valencia.
El productor y director de cine Jan Harlan (Alemania, 1937) ha hecho posible que lleguen a la gran pantalla algunas de las películas más arriesgadas y rupturistas del cine de nuestro tiempo. Como explica Rafael Maluenda, director de Cinema Jove, Harlan ha levantado los sueños y pesadillas de dos grandes maestros del cine como Stanley Kubrick y Steven Spielberg. La relación profesional de Harlan con el legendario Kubrick se inició en 1969, año en el que se embarcaron juntos en el proyecto de la película Napoleón, que finalmente nunca llegó a ver la luz. Éste fue el inicio de una intensa relación profesional que duraría más de treinta años y en la que Harlan trabajó como productor ejecutivo en películas tan emblemáticas e inquietantes como Barry Lyndon (1975), El resplandor (1980), La chaqueta metálica (1987) o Eyes Wide Shut (1999). Tras la muerte de Kubrick en 1999, trabajó con Steven Spielberg en la pre-producción de A. I. Inteligencia Artificial, y un año después se embarcó en la dirección de un documental que daría la vuelta al mundo: Stanley Kubrick: Una vida en imágenes. En la actualidad, prepara un filme documental sobre el Napoleon Project de Kubrick, con Erik Nelson y Alison Castle.
Maestra en dotar de vida a los dibujos y las historias que ella misma escribe, el trabajo artesano de Michaela Pavlátová (Praga, 1961) como directora de cine de animación ha sido reconocido con numerosos galardones, entre los que destaca la nominación al Oscar por mejor cortometraje que recibió por Reci, Reci, Reci (Palabras, palabras, palabras, 1991). Otros premios que atesora la artista son el Grand Prix de Montreal, así como diversos reconocimientos en los festivales de Berlín, Tampere o Stuttgart. Michaela Pavlátová es, según palabras de Rafael Maluenda, una creadora que responde plenamente a esa dualidad de cineasta y artista, porque sus dibujos, sus trazos, son de una calidad artística que transciende el campo cinematográfico. Pavlátová dota de alma a los personajes de sus dibujos para ahondar con ellos en las relaciones humanas bajo el prisma de la originalidad y la ironía. Entre su filmografía, que exhibirá Cinema Jove este junio, destacan los cortos Laila (2006), Karneval Zvirat (Carnaval de animales.2006) y Repete (Repetición, 1995), reconocido con el Gran Premio del Festival Internacional de Animación de Hiroshima y el Oso de Oro en Berlín.
La directora y guionista Chus Gutiérrez (Granada, 1962) pertenece a esa generación de cineastas que se abrieron camino en los años ochenta con una voz cinematográfica propia que no ha hecho más que crecer. Comprometida con su tiempo, la granadina es autora de una decena de películas en las que las mujeres se alzan como protagonistas. Una mirada femenina sobre nuestro mundo que se hizo visible en su primer largometraje, Sublet (1991), rodado en Nueva York y producido por Fernando Trueba, en el que una joven española, Iciar Bollaín, se buscaba la vida en la ciudad de los rascacielos. La cinta fue nominada a los Goya como mejor dirección novel y fue premiada en el Festival Cinema Jove. El universo femenino articula la mayor parte de la filmografía de Gutiérrez, cuyas películas han sido reconocidas en el ámbito internacional, como Poniente (2001), ganadora del Premio FIPRESCI en el Festival de Guadalajara (México), o en Retorno a Hansala (2008), reconocida con el Premio especial del jurado en el Festival de Cine de Valladolid y premiada en el Festival Internacional de El Cairo.
La sección cine-concierto proyectará en su XXVI edición El gabinete del doctor Caligari (1920), una joya del cine mudo, dirigida por Robert Wiene, que aunará con un concierto en directo del músico y compositor Arsenio Martins, recuperando la primera película expresionista de la historia del cine en una copia con los tintados originales restaurados. Un clásico de terror que Cinema Jove se proyectará con la interpretación en directo de una partitura de Arsenio Martins, concebida para piano, clarinete y violonchelo. 
Mi estilo musical casa muy bien con todo el expresionismo alemán. Los instrumentos para esta pieza, sus timbres y recursos sonoros dan mucho juego y encajan muy bien con las imágenes amenazantes y terroríficas de la película, explica Arsenio Martins, quien ha musicado, entre otras películas, la primera adaptación al cine de El Quijote.
El gabinete del doctor Caligari, cuyo título original en alemán es Das Kabinet des Dr. Caligari, llegó a la gran pantalla en 1920 a partir del guión cinematográfico de Hans Janowitz y Carl Mayer. Con su realización se abrieron los estudios alemanes UFA, que en un principio ofrecieron la dirección del film a Fritz Lang, quien rechazó la oferta porque ya se había comprometido con la realización de otra película.
La película de Wiene narra la historia de un siniestro personaje, el doctor Caligari, que viaja por las ferias de los pueblos con un espectáculo en el que presenta al Sonámbulo Cesare, un extraño ser que tiene la facultad sobrenatural de predecir el futuro. Los contrastes de luces y sombras, los impactantes decorados, diseñados por los artistas Walter Reimann, Hermann Röhrig y Hermann Warm, y la indagación en el lado oscuro del ser humano, sitúan a esta película al frente del expresionismo alemán.
Álex de la Iglesia, Santiago Segura, Miguel Albaladejo y Óscar Aibar se darán cita en la XXVI edición del Festival Internacional de Cine Cinema Jove, que se celebrará del 17 al 24 de junio, para rendir con sus películas más mordaces un homenaje a Luis García Berlanga. De cada uno de ellos se proyectará la película más berlanguiana, seleccionada por los propios directores, seguida del correspondiente coloquio: Balada Triste de Trompeta; Torrente, el brazo tonto de la ley; Nacidas para sufrir; y El Gran Vázquez, respectivamente. La proyección de Plácido y El Verdugo, que Berlanga rodó en los años 60, pondrán el colofón cinéfilo a este homenaje.
Un particular homenaje que, en palabras del cineasta José Luis García Berlanga, le habría hecho mucha ilusión a mi padre ya que, en vida, consideraba a estos cuatro directores como sus herederos en su manera de entender el cine. Con ellos colaboró en alguna ocasión, se convirtió en «admirador» de sus trabajos, y a Segura incluso le dio clases. Creador de una extensa filmografía, Luis García Berlanga, Premio Príncipe de Asturias de las Artes y Nacional de Cinematografía, estuvo vinculado al Festival Cinema Jove desde sus inicios en 1987. Asistió como jurado a la primera edición, se mantuvo luego como miembro asesor del Festival y participó en diversas mesas redondas a lo largo de los años.
El festival ofrece también un recorrido por el arte del cartel checo en la exposición Vratislav Hlavatý: carteles de cine. La muestra, inaugurada en el MuVIM y que podrá verse hasta el 28 de agosto, ofrece una selección de los dibujos originales que el artista, representante de la Escuela Checa de carteles, realizó entre los años 70 y 90. Vratislav Hlavatý (República Checa, 1934) presenta una selección de sus carteles pintados a mano entre 1964 y 1990. Un período temporal en el que los carteles de cine la antigua Checoslovaquia se encontraban, junto a los polacos, entre los mejores de este tipo de arte gráfico, ya que al no existir un mercado fílmico potente, los artistas tenían absoluta libertad de creación, una situación que contrastaba con el régimen autoritario que imperaba en el momento. La ausencia de títulos de crédito y la escasa presencia de texto en los carteles, que se reduce sólo al título de la película y el nombre del director, es otra de las características de estos carteles.
En los años 70 y 80, explica Hlavatý, la única distribuidora checa existente no podía utilizar los carteles originales de la película porque solían tener algún símbolo de la cultura occidental, que era sinónimo de capitalismo, por lo que nos encargaban pintar los carteles a los ilustradores. Carteles que pintaban recurriendo a la imaginación y el talento ya que la única referencia que tenían de la película para inspirarse era el título y la sinopsis, pues no disponían de fotografías ni de la oportunidad de ver la cinta. La verdad, recuerda Hlavatý, es que resultaba muy absurdo, pues a menudo nuestros carteles nada tenían que ver con la película, simplemente porque no la habíamos visto, aunque sorprendentemente, parece que nadie lo notaba.
Reflejo de aquella época son los carteles de este polifacético creador, que además de pintor, ilustrador y diseñador gráfico es también piloto de globos aerostáticos, pintó para anunciar la película japonesa Gappa (1973), las películas del cómico norteamericano Harold Lloyd o la española Urtain, el rey de la selva… o así, de Manuel Summers. 
Carteles gráficamente atrevidos y con mucha fuerza visual, que inauguraron, junto a los de otros artistas, lo que hoy se conoce como la Escuela Checa de carteles.
Carteles de cine muestra una manera de trabajar en la que los carteles de cine se elaboraban no sólo como pura publicidad, sino como manifestación artística. Una situación muy distinta a la actual, “en la que los productores imponen sus gustos y exigen que aparezcan las fotos de los actores y los títulos de crédito. Con el paso del tiempo, los carteles artesanales se han ido sustituyendo por los pósters impresos digitalmente. Hoy en día, lamenta Hlavatý, la película es un producto que tiene que generar dinero y nadie quiere un cartel con dibujos pintados a mano, ni una gran idea, no es necesario ser un artista, cualquier persona que sepa trabajar un poco con diseño gráfico puede hacerlo en un ordenador. Todos los carteles se ven muy similares. Sin embargo, reconoce el cartelista checo, afortunadamente todavía hay algunas excepciones, cada cierto tiempo se pueden ver algunos buenos carteles, por lo general de las películas de arte de los pequeños distribuidores.
Hoy, 1 de mayo, ha salido por fin el primer número de La caja de Pandora. Se trata de una revista de cine y otras artes que en principio proyecta ser cuatrimestral y monográfica, es decir, cada número tratará de un tema genérico con artículos dedicados al cine, el cómic, la música, la pintura y cualquier tipo de manifestación artística relacionada.
Este primer número que hoy ha visto la luz está dedicado al Holocausto nazi de la Segunda Guerra Mundial, y en él se pueden encontrar artículos sobre la evolución en el tratamiento por parte del cine a lo largo de los años, junto a reseñas de películas de Rosellini, Polanski, Chaplin, Claude Lanzmann, Spielberg, Orson Welles o Leni Riefenstahl, entre otros, pero también encontrarán artículos monográficos que tratan su influencia en la literatura, la fotografía, la música o la pintura.
Este blog ha colaborado con un artículo sobre la película El Extraño, dirigida por Orson Welles en 1946, el primer y único film que se hacía en Hollywood aludiendo de forma explícita los campos de concentración nazis y el exterminio de millones de personas en Europa, ya que después de su estreno, el cine norteamericano pasaría a centrar su atención en la incipiente Guerra Fría y el tema no sería retomado por la industria del cine americano hasta años más tarde.
Cuando el amigo Crowley , el artífice de todo esto, se embarcó en este proyecto de manera altruista y me propuso participar, acepté con gusto, pero no tenía demasiada idea de cual sería el desenlace. Y, la verdad, he quedado gratamente sorprendida de la calidad del resultado, desde la maquetación, que es sencillamente formidable y digna de haberse editado en papel, por no hablar de la calidad del contenido que, en el que han colaborado compañeros de la blogosfera y que, hasta ahora he podido leer, es sencillamente impresionante.
La revista es de difusión digital, y podéis visitar el blog proyectado para el lanzamiento en este enlace, desde donde tendréis oportunidad de leerla on line o de descargarla en formato PDF de forma totalmente gratuita. Me siento muy agradecida, muy contenta y orgullosa de haber participado, aunque de manera muy pequeña, en este proyecto que ha desbordado mis primeras expectativas. Por mi parte, un primer vistazo solo al formato y he quedado impresionada, ahora toca leer detenidamente su contenido, agradeciendo de antemano a todos el esfuerzo y deseando desde ya empezar a colaborar en el siguiente número. La caja de pandora levanta hoy el telón y queda a disposición de todos los lectores, felicidades pues al equipo que la ha hecho posible. Ahora solo queda que se atrevan a abrir la caja.
Stéphane Hessel es el autor de este breve e interesante libro que nos invita a reflexionar y actuar contra la dictadura de los mercados. A sus 93 años tiene en su haber la experiencia de la Resistencia a la invasión nazi en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, de haber colaborado en la redacción de la Declaración de Derechos Humanos o de ocupar desde 1977 un asiento en Naciones Unidas como embajador de Francia. Cuando un superviviente militante de esta catadura llama a la insurrección pacífica, a desperezarse y rebelarse, hay que escucharlo porque sabe de qué habla. «Indignaos«, dice, «hoy se trata de no sucumbir bajo el huracán destructor del consumismo voraz y la distracción mediática mientras nos aplican recortes a nuestros derechos«.
«Se atreven a decirnos que el Estado ya no puede garantizar los costes de estas medidas ciudadanas. Pero ¿cómo puede ser que hoy no haya suficiente dinero para mantener y prologar las conquistas de la sociedad del bienestar cuando la producción y la riqueza han aumentado considerablemente desde que Europa salió de una guerra que la dejaba en ruinas? El poder del dinero nunca ha sido tan grande, insolente, egoísta con todos, desde sus propios siervos hasta las más altas esferas del Estado. Los bancos, privatizados, se preocupan en primer lugar de sus dividendos y de los altísimos sueldos de sus dirigentes, pero no del interés general. Nunca había sido tan importante la distancia entre los más pobres y los más ricos, ni tan alentada la competitividad y la carrera por el dinero»
Indignaos! es el grito de Hessel dirigido a los jóvenes. De la indignación, afirma, nace la voluntad de compromiso con la historia. De ella nació la resistencia al nazismo y todas las conquistas sociales que, desde el punto de inflexión del 11-S, vienen marcando el camino inverso a una velocidad alarmante. Cuidado, nos dice, «hemos luchado por conseguir lo que tenéis, y lo hicimos con menos medios que ahora, desde una Europa totalmente destruida por la guerra. Ahora os toca a vosotros defenderlo, mantenerlo y mejorarlo; no permitáis que os lo arrebaten. Luchad por mantener los logros democráticos, los valores éticos, de justicia y libertad que poco a poco se materializaban desde la dolorosa guerra. Para distinguir entre opinión pública y opinión mediática, para no sucumbir al engaño propagandístico»
Cinco euros y poco más de treinta páginas. Un alegato contra la indiferencia, contra el atropello a los derechos colectivos conquistados que hoy están seriamente amenazados. Nada nuevo que no se sepa, por otra parte, pero motiva que venga a decirlo un señor que ya ha cumplido su papel para con la sociedad y para con la vida, porque algo no debe andar demasiado bien cuando este llamamiento contra la indiferencia colectiva no se hace desde cualquiera de nuestros pretendidos representantes, signos y colores al margen.
Es posible que en el mundo actual, como bien dice, sea bastante más complicado que antaño identificar a los responsables físicos del retroceso, por lo que el conformismo se halla generalizado. Mientras tanto, lo que está en juego es la libertad y los valores principales de la humanidad. “Las razones para indignarse pueden parecer hoy menos nítidas o el mundo demasiado complejo, pero sigue ahí, en la dictadura de los mercados, en el trato a los inmigrantes, a las minorías étnicas. Buscad y encontraréis, coged el relevo, indignaos, la peor actitud es la indiferencia. De lo contrario, perdéis uno de los componentes esenciales que forman al hombre: la facultad de indignación y el compromiso que le sigue”. Pues a ver si prende de una vez por todas la mecha.
Cuando el mundo del audiovisual se rinde al lamento de que el cine no es un buen negocio, cuando un puñado de distribuidoras que se pueden contar con los dedos de una mano decide qué podemos ver en las salas comerciales de nuestro país, cuando películas interesantes (incluso multipremiadas) se editan más allá de los Pirineos en DVD, incluso se pasan por canales televisivos privados antes de que vean la luz en nuestros cines, abocando al espectador español a descargarla de internet con los subtítulos de algún cinéfilo altruista que ha decidido traducirlos del inglés para disfrute de todos, la mayor parte de las veces sin beneficio ninguno para él, pues en momentos así, de vez en cuando surge una estrela de luz entre tanta oscuridad mercantilista que ya obtiene más beneficios de la venta de refrescos de cola emplastada y palomitas que de la propia proyección de la película. Ir al cine te sale por un pico, porque al abusivo precio de la entrada tienes que sumarle el refresco y maíz de rigor, y se te planta la fiesta en 10 euracos del ala por cabeza, amén de la desilusión que la mayoría de veces causa la exhibición de lo contado mil veces a lo que solo se le añaden los efectos especiales de rigor, efectos que ya comienzan a formar parte de lo excesivamente manido, tal vez por el abuso, tal vez porque el público entiende (por fortuna) que el cine no es eso, que no, que no es eso.
Pues entre tanto nubarrón resulta que la Filmoteca de Valencia viene llenando la Sala Berlanga, en pleno centro de la ciudad y con una capacidad para 188 personas, con el ciclo de cine clásico Básicos Filmoteca que se proyecta desde el pasado octubre, que ya anda por su segunda fase y que, visto el éxito, hay rumores de repetir. Historias de Filadelfia, la deliciosa comedia de George Cukor, era el pase del miércoles pasado. Me hubiese gustado asistir el jueves a las 8 de la tarde, porque la película iba introducida y seguida de un coloquio a cargo de Áurea Ortiz, profesora de la Universidad de Valencia, pero esa hora de la tarde es especialmente difícil para mi, a riesgo de regresar a mi casa con la parentela en un estado similar a este. No es que en mi dulce hogar nadie arrime el hombro, pero el terreno cocina sigue siendo espacio vetado para el sexo masculino y es una batalla de la que he desistido hace unos cuantos años, sobre todo por las consecuencias posteriores: el coste es siempre mayor que el beneficio cuando se trata de fogones y grasilla. Pero volviendo a la filmoteca, es cierto que un cine lleno no sería noticia si se tratase del último estreno de Hollywood, pero la Berlanga ha rozado el lleno en jornadas como El acorazado Potemkin, Tiempos modernos, El maquinista de la general, La pasión de los fuertes, Ciudadano Kane, M el vampiro de Duselldorf, Deseando amar, El séptimo sello o Un perro andaluz. Los pases son un par de veces por semana a distintas horas, y los jueves van acompañados de una presentación y coloquio a cargo de especialistas en historia y teoría del cine, además de entregar a los asistentes un dosier con una pequeña introducción a la película que expone la importancia de cada film dentro del desarrollo del lenguaje cinematográfico. Las proyecciones son todas en soporte foto-químico y en versión original subtitulada, y las silentes se pasan sin sonido, acompañadas de una audición musical en directo lo más fiel posible a la manera como se proyectaron en su estreno. Se trata a todas luces de transmitir el valor de la experiencia colectiva que supone asistir a una sala cinematográfica para ver una película en su versión y formato originales. Cine imperdible e imprescindible en el centro de la ciudad, a un euro y medio la entrada y gratuita con el carnet de estudiante. El autobús de ida y vuelta sale bastante más caro.
Después de casi una quincena de vacaciones, desconectada de algunos de los elementos que rodean habitualmente mi vida cotidiana, entre ellos el blog, encuentro en la bandeja de entrada del correo este mensaje, al más puro estilo castellano googlero. Lo reproduzco tal cual ha llegado, mientras abro la casa para que se ventile, me quito el abrigo y me pongo a la faena: un poco de autobombo nunca viene mal, pero quiero aprovechar la ocasión para iniciar el año bloguero dando las gracias a todos los que leéis este espacio, sin excepciones, y en particular a los que dejáis vuestros comentarios, haciendo que todo esto cobre mucho más sentido. Es una gozada ver como aumenta día a día el número de visitas, pero más aún mantener cierta cantidad (bastante buena, al menos desde mi perspectiva) de lectores fieles que, con el paso del tiempo, continuan dejandose caer por aquí con su visita y sus comentarios. Muchísimas gracias a todos. En unos días, retomamos el asunto…
El año de 2010 en tu blog
Los duendes de estadísticas de WordPress.com han analizado el desempeño de este blog en 2010 y te presentan un resumen de alto nivel de la salud de tu blog:
El Blog-Health-o-Meter™ indica: Wow.
Números crujientes
El Museo del Louvre tiene 8,5 millones de visitantes al año. Este blog fue visto cerca de 120,000 veces en 2010. Si el blog fuera una exposición en el Louvre, tomaría 5 días para verla.
En 2010, publicaste 94 entradas nuevas, haciendo crecer el arquivo para 302 entradas. Subiste 290 imágenes, ocupando un total de 42mb. Eso son alrededor de 6 imágenes por semana.
Tu día más ocupado del año fue el 23 de agosto con 617 visitas. La entrada más popular de ese día fue Iron Maiden en Valencia.
¿De dónde vienen?
Los sitios de referencia más populares en 2010 fueran search.conduit.com, google.es, facebook.com, es.wordpress.com y google.com.ar.
Algunos visitantes buscan tu blog, sobre todo por chaplin, los abrazos rotos, puerta de babel, salo online y iron maiden valencia.
Lugares de interés en 2010
Estas son las entradas y páginas con más visitas en 2010.
1Iron Maiden en Valencia agosto, 2010
8 comentários2Saló o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975) junio, 2009
18 comentários3Cine marzo, 2008
16 comentários4Habitación en Roma (Room in Rome), de Julio Medem mayo, 2010
16 comentários5On-Line septiembre, 2008
10 comentários
Hacía creo que cerca de diez años que Iron Maiden no visitaba tierras valencianas. El recinto del puerto cambiaba anoche los polos Lacoste y los náuticos para ser tomado por 22.000 -según anunciaba Bruce Dickinson en un momento del concierto- expectantes metaleros y 26.000 según protección civil. Sin incidentes, Doña Rita, sin incidente alguno. Porque cabe recordar que otra visita de la mítica banda fue suspendida hasta en dos ocasiones por la señora alcaldesa de Valencia al considerar el evento de alto riesgo, y los que en su día comprábamos la entrada para ver y escuchar a los Maiden en el centro de la ciudad, el recinto de la Plaza de Toros, acabábamos en un patatal (lo de patatal es literal, había patatas que poder llevarse a casa) de un diseminado a las afueras de Valencia después de cambiar el concierto hasta dos veces de ubicación. Lo raro es que, después de la experiencia hayan vuelto, y que haya sido Valencia el único lugar de la geografía española elegido para cerrar su gira mundial de este año. Algo tendrá que ver, digo yo, la respuesta del público local cada vez que pisan estas tierras.
Desde las cinco de la tarde ya había un enorme cola para ocupar las primeras filas, aunque a los Maiden no pudimos oírlos hasta entrada la noche, precedidos de los alemanes Edguy, que se marcaron cuarenta y cinco minutos de buen rock: tengo que escuchar más a los de Tobias Sammet, no me gustaban demasiado pero anoche comenzó a cambiar mi opinión sobre ellos, sobre todo por el vocalista, porque a pesar de poseer una voz impresionante, su estética y cambios constantes de registro me han hecho casi siempre descartarlos como un banda meritoria. Anoche, sin embargo, cumplían como buenos teloneros y anticipaban bastante bien lo que estaba por llegar. Iron Maiden aparecían en la Marina Sur poco después de las 9 de la noche y se portaron. Yo esperaba que le dieran cancha a su último disco, que había salido a la venta esta misma semana, e incluyeran dos o tres de sus míticos temas para contentar al público, poco más. Pero nada de eso sucedió, más bien al contrario, solo se pudieron escuchar tres de las nuevas canciones y el hilo conductor del concierto fueron temas de entre los más conocidos de sus últimos álbumes intercalados con algunos legendarios, temas que el público cantaba al unísono que la banda y desataban la pasión de los asistentes. Los mejores momentos entre el auditorio fueron cuando interpretaron Fear of the Dark, Brave New World o Running Free, además del tema Blood Brothers que Dickinson dedicó a Dio. Solo eché de menos The Trooper para que todo hubiese sido redondo. A pesar del paso de los años, los Maiden demostraron que continúan en plena forma. Y Jordi, que solo tiene quince y es el primer concierto de este tipo al que asiste, está pletórico pensando ya cuál puede ser el próximo.
Agosto, mes de 31 días, al igual que julio, meses que por estos pagos soportamos muchas veces con calor insufrible, no siempre tuvieron el mismo número de días ni existieron con esta denominación en el calendario. Durante sus primeros años, el calendario romano comenzaba en marzo y terminaba en el mes décimo (hoy diciembre), y cada mes contaba con 36 días. Para completar los 365 se celebraban 5 días de fiestas saturnales, en honor a Saturno, dios de la Agricultura, que en principio quedaban excluidos de la cuenta. Estas fiestas tenían lugar cuando concluía el año, dando origen su cierre a uno nuevo, y poseían algunas connotaciones que heredaría la Navidad cristiana posterior, pues se acostumbraba a celebrar banquetes públicos gratuitos, la familia se hacía regalos y los esclavos disfrutaban de raciones extra y tiempo libre.
Fue Julio Cesar, allá por el 46 a. C. quien decidió añadir dos meses al calendario, enero y febrero, a fin de ajustar mejor los tiempos al ciclo lunar y ganar en exactitud. Es lo que se conoce como calendario juliano, cuyos meses contarían en principio con 30 días, que suman en total 360 anuales más cinco saturnales. En honor a Julio Cesar no solo se otorga nombre al nuevo calendario sino que el mes anteriormente llamado quintilis (el quinto, pues enero y febrero se añaden en un primer momento al final del calendario) pasará a denominarse Iulius (hoy julio) y tener un día más que los otros por ser un mes destacado, esto es, 31 días. Posteriormente se eliminarían las fiestas saturnales, integrándolas en el calendario entre el 19 y el 25 de diciembre (mes que pasaría tiempo después al final, tras la conversión de Roma al cristianismo), y los cinco días quedarían distribuidos entre los meses impares. Así, tendrían 31 días mayo, el séptimo (septiembre) y el noveno (noviembre) más el penúltimo, enero. Como al alternar los meses entre 30 y 31 días suman en total 366, decidieron quitarle un día a febrero, por ser el que cerraba el año, que quedó con 29.
Muerto Julio Cesar, le sucedería en el trono su hijo adoptivo, Cayo Julio Cesar Octaviano, designado como Emperador bajo el título de Augustus («El que es respetado y venerado»). No queriendo ser menos que su predecesor, el emperador Augusto reclamó tener también su propio mes. Augusto elegiría el mes sextilis, porque en él venció a Cleopatra y Marco Antonio, entrando triunfador en Roma, de ahí que sextilis pasara llamarse Augustus (actualmente agosto). Pero claro, su mes no podía tener menos días que el del anterior siendo él Emperador, por lo que alteró la duración de varios meses quitando y poniendo días hasta lograr que agosto tuviese también los 31 que en rigor habían de corresponder a su persona. Como estas alteraciones tenían como consecuencia que de nuevo volviese a sobrar uno en el calendario, otra vez la pagaron con febrero; mes que, salvo los años bisiestos agregados más tarde, conserva los 28 hasta nuestros días.
Redondeando cuentas, hace ya 2000 años de todo esto. Disfruten del presente agosto y… cuidadín en la carretera 😉
La asociación de consumidores Facua-Consumidores en Acción ha realizado, durante el segundo semestre de 2009, un estudio de campo sobre el precio de las entradas de cine en diversas capitales del mundo. Para llevarlo a cabo se han comparado 419 salas pertenecientes a 118 ciudades de sesenta países repartidos por continentes.
Analizando como único factor el precio, la entrada más cara la pagan los japoneses que viven en Tokio, a quienes les llega a costar 14,33 euros la broma durante el weekend. En el otro extremo estaría Managua, cuyos habitantes solo abonan 1,99 euros por pase.
Claro que no es lo mismo el poder adquisitivo y el coste de la vida en Japón que en Nicaragua. Por eso, resulta más interesante analizar los números tomando también como referencia cuánto le cuesta de ganar a un trabajador en los diferentes países. Si tenemos en cuenta este dato, ni unos ni otros salen especialmente desproporcionados, pues los más sangrados en la taquilla son los pekineses, ya que el precio a pagar por el espectáculo equivale aproximadamente a dos horas y media de su jornada laboral. A tenor de este factor, que sitúa las cosas de manera mucho más objetiva, otras ciudades donde sus habitantes pagan el cine con mucho sudor de su frente son Caracas, Ciudad de México, Bucarest y Sofía. 
En el otro extremo, donde menos horas de trabajo son necesarias para costear la entrada es en Copenhague, Nueva York, Luxemburgo, Berlín o Zurich, ya que el equivalente en trabajo se situaría por debajo de la media hora de la jornada laboral, a pesar de que sus entradas sean sensiblemente más caras.
Teniendo en cuenta solo Europa, el precio medio de una entrada varía hasta un 183% de un país a otro. Madrid se coloca en el puesto 21 de las 44 ciudades analizadas, justo por detrás de París y antes que Londres. En Europa, los cines más caros son los de Zurich, seguidos de los de Oslo, Berna, Helsinki y Copenhague, y los más baratos los de Belgrado, Vilna, Sofía, Riga y Bucarest.
Todos estos datos están referidos a una entrada normal durante un fin de semana, porque si nos ponemos a ver el precio para una proyección en 3D, en Abu Dhabi (Emiratos Árabes) nos pueden soplar la friolera de 18,54 euros, mientras que en Quito solo pagaríamos 3,74. En América, las salas con los precios más elevados en fines de semana son las de Nueva York, Caracas, Toronto, Ottawa y Sao Paulo, y más baratos en Managua, Asunción, El Salvador y San José.
Pero vayamos a las diferencias que existen en España de una ciudad a otra a la hora de pagar una entrada, diferencias que persisten si lo que queremos es ver la película en 3D. Según se desprende del estudio, si vives en Barcelona pagarás una media de 7,26 euros -según cines, puede llegar a superar los 8 euros-, mientras que si resides en Teruel sólo te costará 3, alrededor de un 140% más barata. En cuanto a las películas en 3D los precios van -siempre refiriéndonos al fin de semana- entre los 6,50 euros de Zamora y Ciudad Real y los 10,50 de, otra vez, Barcelona. Una, que ha vivido en la ciudad condal unos cuantos años, puede asegurar que tal vez allí en algunos sectores se pueda cobrar un salario un poco más elevado que en otros sitios de nuestra geografía, pero solo en algunos y solo algo más, ni por asomo para tan sangrante diferencia. Por no entrar en el coste de bebidas y palomitas que seguramente acompañen la fiesta -sustancialmente mayor que, por ejemplo, en Valencia, os lo aseguro-, a lo que hay que añadir el precio del transporte público para llegar o tarifa de parking si te llevas el coche, también más elevados. Porque si se te ocurre dejarlo mal aparcado, la grúa llega en un plis y, al menos hace unos años, venía directamente con guripa incorporado al servicio. Vamos que, en un visto y no visto estaban allí plantados, bajando de la camioneta, y mientras uno te ponía la multa el otro te echaba el cepo, en el tiempo de una meadita.
En la web de Facua encontrareis todos los detalles y la tabla de resultados de este interesante estudio.
Del 19 al 26 de junio se celebra en Valencia el Festival Internacional de Cine Cinema Jove, que este año cumple su 25 edición sin moverse, en buena medida, del espíritu que incitaba su andadura allá por el año 1986, cuando otros vientos políticos soplaban en la Comunidad Valenciana. No cabe sino aplaudir que la idea haya permanecido fiel a su intención original, lo que ha permitido su consolidación como evento cinematográfico impulsor de jóvenes talentos, a pesar de las tormentas políticas, del escaso presupuesto o de las dificultades de potenciar un acontecimiento de carácter genuinamente cultural no lucrativo, y también a pesar de que en los tiempos que corren las administraciones dirigentes del destino de estos pagos no vean siempre con demasiados buenos ojos eventos -como este- de escasa repercusión para con la grandeza folclórica local y, por ende, para con el turismo de alto standing y el negocio del ladrillo. Bueno, algo sí ha cambiado, porque por entonces casi se podría decir que era un festival casero, pensado para comenzar a dar impulso a algunos jóvenes de aquí que, casi siempre desde el cortometraje, iniciaban su andadura en esto del Cine. Pero pronto comenzaron a tener cabida los que llegaban de un poco más lejos y el festival lograba ser en realidad aquello para lo que había nacido: ejercer de trampolín para nuevos cineastas de cualquier punto de la geografía. Así, nombres como Icíar Bollarín, Pau Vergara, Alejandro Amenabar, Juanma Bajo Ulloa o Alex de la Iglesia vieron en su día en este espacio, entre otros, el lugar donde dar un primer impulso a su carrera. Desde hace unos años, sin embargo, el festival se ha abierto a profesionales de otros países que participan con sus primeros o casi primeros trabajos tratando de buscar lugar fuera de sus fronteras. Insistiendo en esta orientación y por tratarse del 25 aniversario, la edición a concurso de este año, en su apartado de largometrajes, cuenta con siete óperas primas inéditas pertenecientes a un heterogéneo surtido de jóvenes cineastas procedentes de lugares tan culturalmente diversos como Canadá, Hungría, Polonia, Francia, Argentina, Irlanda y Georgia, que compiten con otras de directores más reconocidos como la danesa Submarino, de Thomas Vinterberg (un habitual del festival, aunque es la primera vez que se presenta a concurso), y Bady Fámily, del finlandés Aleksi Salmenperä, producida por Aki Kaurismaki. Aleksi Salmenperä ya obtuvo en la pasada edición el premio Luna de Valencia al Mejor Largometraje por su película A Man`s Job. Arriesgándome a aventurar, puesto que lógicamente no conozco ninguna de las películas que se presentan, me atrevería a destacar dos de las nueve que podremos ver proyectadas, que además no pienso perderme porque me interesan especialmente:
La primera interesante es la francesa Gainsbourg (Vie héroïque), primer largomentraje de Joan Sfar, quien cuenta con amplio reconocimiento en el mundo del cómic por la serie El gato de rabino. Se trata de un biopic del cantante francés Serge Gainsbourg, autor de la controvertida en su día Je t’aime… moi non plus por estar dedicada a la figura de Brigitte Bardot e incluir en ella sonidos simulados de un orgasmo femenino. El relato de la vida de Gainsbour, judío de origen, comienza siendo niño, durante la ocupación alemana de las calles de París. Continúa en su etapa juvenil, cuando su amor por la poesía y la pintura le movían una vida bohemia con pocas perspectivas de futuro y culmina en una tercera fase, cuando abandona la pintura, dejándose embaucar por los cabarés transformistas de los años 60. Es entonces cuando comienza su carrera artística a la vez que la mujeriega y provocadora. Cuenta entre el reparto con Eric Elmosnino como Gainsbourg y la modelo Laetitia Casta interpretando a la mítica Brigitte Bardot. La película se estrenará -presumiblemente- en las salas comerciales españolas a mediados de julio, pero podremos verla en Valencia con motivo de la inauguración de festival el próximo sábado 19 de junio.
La segunda propuesta a priori interesante es la danesa Submarino, del director de Festen, Thomas Vinterberg. La película trata la historia de Nick y su hermano menor, quien acaba de salir de la cárcel sin perspectivas de trabajo ni medio de vida a corto plazo. Su única obsesión es entrenarse y beber. Es el peso de un pasado deplorable, cuya infancia se vio marcada por la pobreza, los abusos y el alcoholismo de su madre hasta que la tragedia desgarró la familia. La familia y sus vínculos ya es un tema tratado por el director en la magnífica Festen, y puede ser interesante observar la evolución narrativa pasados los años de uno de los autores adscritos al Cine Dogma que iniciara Lars Von Trier allá por 1995 que, con sus incondicionales o detractores, supuso uno de los intentos más audaces y conspicuos de reinventar esto del cine desde Godard.
Atractiva también la sección a concurso de cortometrajes, Cine a Mordiscos, que este año cuenta con la participación de 69 obras que se emitirán en nueve programaciones, y que incluyen géneros de ficción, documental, animación y experimental. Del panorama nacional cabría destacar a Alex Montoya, quien obtuvo una mención especial en Sundance por Como conocí a tu padre, o Juan Gautier, que compite con Metrópolis Ferry, un trabajo protagonizado por Sergio Peris Mencheta interpretando al Capitán Trueno en una adaptación libre del cómic homónimo. Habituales en el festival, Leticia Dolera y Marta Aldelo Con Lo siento, te quiero y Pichis, su primer y segundo trabajo respectivamente.
Paralelamente a las propuestas de la competición oficial, de especial interés son secciones como Cuadernos de Rodaje, que en años anteriores realizaron Paco Plaza, Jaume Balagueró o Enrique Urbizu, y que este año corre a cargo de Daniel Monzón. Se trata de una selección de quince títulos cuya influencia sea para el director notoria a la hora de entender el cine, y que por tanto hayan influido decisivamente en su carrera cinematográfica. La selección de Daniel Monzón, que se proyectará en orden cronológico, cuenta con coloquios en los que interviene el director, y arranca con títulos míticos como M el Vampiro de Dusseldorf, King Kong o Muñecos infernales. Continúa con Senderos de Gloria, Sed de mal. El ángel exterminador y El ejército de las sombras. De los 70 y los 80 se proyectará Frenesí, Amacord, El quimérico inquilino, El hombre elefante, El seductor o El hombre que pudo reinar. Y de los 80, Monzón ha elegido para su colección La cosa, de John Carpenter.
El festival cuenta también con una retrospectiva del cineasta italiano Mateo Garrone, las dedicadas a los franceses Jacques Martineau y Oliver Ducastel y la aportación de películas seleccionadas por la institución francesa La Femis, la Escuela Superior de Imagen y Sonido heredera del IDHEC, la tradicional escuela de cine francés en la que se graduaron, entre otros, numerosos miembros de la nouvelle vage.
Para los que queráis más información sobre contenido, horarios y lugares de proyección, podéis consultar la página web del Festival, donde se incluye información completa de todas las actividades programadas. Las entradas están a la venta a 2,5 euros para cada proyección, teniendo en cuenta que los cortometrajes se exhiben en pases de 7 a 9 agrupados por temas y según su duración. Un programa realmente atractivo, y con el precio no hay excusa, ahora falta encontrar el tiempo para perderse las menos sesiones posibles.
El primer beso filmado del que se tiene constancia para el Cine fue rodado en 1896. Fue entre John C. Rica y May Irwin, en la película The Kiss, de Thomas Edison.
El record de besos en una película lo ostenta Don Juan, de Alan Crosland (1926). El protagonista era interpretado por John Barrymore, que se puso las botas: 127 besos se pueden contar a lo largo del film.
El más largo lo protagonizaron Gregory Smith y Stephanie Sherrin, en la película Kiss in America, de Michael Dowse (2005). Duró 6 minutos.
El record Guiness en la vida real se batió en 2005, en Alemania, cuando la pareja integrada por Kristina Reinhart y Nikola Matovic mantuvo una estrecha unión labial durante 32 horas, 7 minutos y 14 segundos.
Como promedio, pasamos aproximadamente dos semanas de nuestra vida besando.
La ciencia asegura que al besar, se ejercitan 30 músculos faciales. Practicarlo con regularidad favorece la circulación y mejora la autoestima. Además, las personas que lo hacen viven más años y sufren menos enfermedades. Esto se deba a que el beso moviliza secreciones hormonales que funcionan como analgésicos y fortalecen las defensas del organismo.
Según la costunbre japonesa, no solo no se utiliza el beso como saludo, sino que los besos apasionados se dan en el cuello o en las manos, pero nunca en los labios.
A principios del siglo XX, las mujeres de Jutlandia (Dinamarca) pensaban que besar a un hombre sin barba era como besar una pared. Como consecuencia, en la región no tenían por costumbre afeitarse…
En Harfford, Connecticut, está penado que los hombres besen a sus mujeres en domingo. Y en Cedar Rapids, Iowa, se considera delito besar a un extraño.
Los romanos distinguían tres clases de besos: oscula, basi y suavia. Se pueden traducir como beso de amistad, amor y pasión respectivamente. La Ley sancionaba como delito criminal la abierta demostración de osculationis. El beso de los novios al final de la ceremonia nupcial tiene su origen en la antigua tradición romana de darse un beso como símbolo de la firma de un contrato.
El 10 por cien de la humanidad nunca se besa, según una reciente estimación de la Universidad de Bochum en Alemania. Hasta bien entrado el siglo XX, algunas tribus de Finlandia consideraban el besar como algo indecente. Y en algunas regiones de China durante mucho tiempo se veía besarse en la boca como algo horrible.
El Kama (deseo) Sutra (verso) lista más de 30 tipos de besos. Uno de ellos se llama «la pelea de la lengua«.
El músculo que más trabaja para besar es el orbicularis oris , que permite fruncir y separar los labios cuando se besa. En cada minuto se queman 6 calorías.
Y para concluir, una selección de algunos de los besos más emblemáticos de la historia del cine. Como fondo musical el tema de Cinema Paradiso, de Ennio Morricone. Los besos, ni están todos los que son ni son todos los que están, pero es la más completita y simpática que he encontrado. Que la disfruten!
Dedicado a Jordi
En los últimos días me ha dado tiempo, por fin, a solucionar algunos problemillas del blog y a introducir un par de mejoras para hacer más fácil y accesible su uso y funcionamiento.
He añadido un nuevo formulario de búsqueda; este sí funciona, pues parece que el anterior contenía algunos fallos de código, daba problemas y a veces se quedaba colgada la página sin mostrar ningún resultado.
También he habilitado la suscripción por e-mail, la opción está en la barra lateral. Ahora se pueden recibir las entradas que se vayan publicando en el blog en la dirección de correo que seleccionéis, ya que anteriormente sólo era posible vía RSS. La suscripción RSS sigue activa, pero con mayor número de canales a través de los que el usuario desea recibir la información.
La última novedad: A partir de hoy se pueden votar los artículos escritos en el blog. En cada entrada encontraréis la opción. Simplemente seleccionamos con el ratón el número de estrellas que deseamos y hacemos click. El voto es completamente anónimo e independiente de los comentarios. Se puede probar en esta entrada. En el resto… utilizad vuestro criterio.
También estoy trabajando en la instalación de un traductor en algunos idiomas. Resulta complicado porque WordPress no admite códigos javascript ni scripts, pero todo se andará, o eso espero.
En breve activaré alguna encuesta y alguna sorpresilla más. Espero que estas pequeñas mejoras os sean útiles a los que visitáis este rincón.
Saludos a todos
Bien, pues esta entrada es para comunicaros que tengo la intención de tomarme un descanso. No se trata de un descanso veraniego, que también lo habrá. He tomado la decisión de aparcar el blog, de tomarme un tiempo. Es una necesidad, a veces es sano pararse y reorganizar los asuntos. Sé que mañana, o probablemente cinco minutos después de darle a la tecla publicar, comenzaré a notar los primeros síntomas de abstinencia. Pero una mezcla de cansancio y falta de tiempo, sumado a las perspectivas de proyectos que después del verano me van a restar muchas horas para dedicarme como quisiera al blog, me han llevado a tomar esta primera decisión. Digo primera porque ahora mismo no sé ni quiero decidir si se trata de una pausa o de un cierre definitivo. Quedó bastante material por añadir, pero orientarlo de otro modo o publicar esporádicamente alguna entrada no me resulta nada atractivo, y continuar con el ritmo actual es ahora mismo inviable.
Haciendo un pequeño balance de este algo más de año y medio, si algo tengo claro es que ha merecido la pena. 74.000 visitas (desde la andadura en wordpress, cuatro meses después del inicio del blog) y algo más de 1.200 comentarios me hacen sentirme realmente satisfecha. Inicié este blog sin esperar nada, con la sola voluntad de expresar y difundir lo que me gusta, asumiendo el riesgo de contenidos poco comerciales, y encontrar esta respuesta ha sido agradable a la vez que sorprendente.
En fin, que no quería dejar de actualizar sin más, sin una pequeña explicación y, por supuesto, sin dar las gracias a todos aquellos que me han visitado, a los que con sorprendente regularidad están siempre aunque no dicen nunca nada (ese puñado de IP´s que no fallan) y, en particular, a los que habéis dejado algún comentario, que siempre hacen sentir que lo que se hace no es baldío.
Pero de modo muy especial a los que desde el principio de esta andadura estáis ahí y me habéis apoyado comentando o enlazando; y, como no, a los que pasáis o mandáis mensajes incluso habiendo abandonado ya esto de la blogosfera, porque gracias a todos vosotros hacer el blog ha tenido más sentido. Que me tome unas vacaciones por tiempo indefinido no quiere decir que no os visite de vez en cuando y, con vuestro permiso, me deje caer con algún comentario cuando tenga algo que decir. Pues aquí lo dejo, de momento, aparcado pero con la puerta abierta. Muchas gracias, a todos.
The thrill is gone away
The thrill is gone baby
The thrill is gone away
You know you done me wrong baby
And you’ll be sorry someday
The thrill is gone
It’s gone away from me
The thrill is gone baby
The thrill is gone away from me
Although I’ll still live on
But so lonely I’ll be
The thrill is gone
It’s gone away for good
Oh, the thrill is gone baby
Baby its gone away for good
Someday I know I’ll be over it all baby
Just like I know a man should
Dicen que nadie muere mientras no muera la última persona que le recuerda. Casi seis años y, aún a ratos, ya ves…
Monólogo de Woody Allen para la televisión británica en 1965, tres años antes de rodar el que sería su primer largometraje: «Take monkey and run» (Coge el dinero y corre).
Subtítulos en castellano por cortesía de exatrax
Lucha de gigantes convierte
el aire en gas natural,
un duelo salvaje advierte
lo cerca que ando de entrar
en un mundo descomunal,
siento mi fragilidad.
Vaya pesadilla, corriendo
con una bestia detrás,
dime que es mentira todo,
un sueño tonto y no mas.
Me da miedo la enormidad,
donde nadie oye mi voz.
Deja de engañar,
no quiero ocultar
que has pasado sin tropezar,
monstruo de papel.
No se contra quien voy,
¿O es que acaso hay alguien mas aquí?
Creo en los fantasmas terribles
de algún extraño lugar,
y en mis tonterías para
hacer tu risa estallar.
No quiero ocultar
que has pasado sin tropezar,
monstruo de papel.
No se contra quien voy
¿O es que acaso hay alguien mas aquí?
Deja que pasemos sin miedo.
(Antonio Vega)
A estas alturas, ya nadie pone en duda el hecho de que Chaplin es para el cine el icono por excelencia del siglo XX. Director, actor, escritor, productor y compositor, su personaje es universal, porque independientemente del país o del idioma, Charlot (todavía hoy), despierta el entusiasmo del público sin precisar de más lenguaje que el corporal. 
Sus movimientos desequilibrados, su mirada dulce, su inconfundible caminar oscilante y su cadencia casi musical no precisan del diálogo para comunicarse con el público, porque hablan por sí solos sin necesidad de discurso, construyendo ese lenguaje del Cine en sus orígenes, universal, que desconoce los límites nacionales que posteriormente vendría a incorporar, mediante la palabra, el cine sonoro.
Este mes de abril (el día 16 para ser exactos), Chaplin habría cumplido 120 años. La mejor manera de celebrarlo sería, que duda cabe, poder ver sus películas en la pantalla de un cine acompañadas de la banda sonora interpretada por una orquesta en directo. Sólo con imaginarlo, debe tratarse de una experiencia única. Desafortunadamente esto no es posible (al menos, que yo sepa), pero una alternativa mínima es visitar la exposición itinerante que sobre su figura organiza la Fundación «La Caixa», que durante este mes y hasta el 17 de mayo se puede visitar en Valencia, y que ha pasado ya por ciudades como Madrid, Barcelona u Oviedo.
La exposición incluye fotografías originales, carteles de cine, notas de producción, recortes de prensa, material documental y fragmentos de películas, algunos de ellos inéditos, así como diverso material de merchandising como cromos de época o tebeos sobre Charlot, que permiten ofrecer una visión global de su obra desde diferentes puntos de vista: Comienza con el nacimiento del personaje y termina con las últimas películas de su etapa muda, recorre también la trayectoria como cineasta de Chaplin, las coreografías de Charlot, el exilio y la etapa hablada, en la que desaparece el pequeño vagabundo tal como lo recordamos hoy día.
Un trabajo muy interesante, que pretende ir más allá de un retrato convencional de Chaplin, dando a conocer parte de los archivos de la familia y la riqueza de una documentación en gran medida desconocida. Charlot es, sin duda, un personaje único y uno de los más queridos que ha generado el cine del siglo XX. 
La exposición muestra la evolución desde su nacimiento y las distintas etapas hasta conformar el Charlot conocido por todos (que en su origen tenía poco que ver con el cómico romántico de bombín y bastón), la enorme cantidad de trabajo que hay detrás de una secuencia que dura sólo unos segundos, el carácter perfeccionista de Chaplin, que rodaba una y otra vez la misma escena hasta considerarla él perfecta, y la comparación del personaje con sus sucesores, como Monsieur Hulot de Jacques Tati, por ejemplo, ofreciendo una amplia visión del gran legado cómico y artístico de Chaplin. 
La influencia en la vanguardia de la época y en otros artistas, su vida, su infancia y juventud, y su trayectoria, desde la conquista de Hollywood hasta que adquiere plena conciencia de su repercusión y crea una oficina que gestionará su imagen comercial, están bastante bien retratados y documentados en la exposición, que se cierra cuando Charlot comienza a hablar, muere el personaje que perteneció al cine mudo y Chaplin interpreta en 1940 el que sería su último papel. En el momento más álgido de su carrera, Chaplin opta por el compromiso social, y su posicionamiento político provoca que no se le renueve el visado para entrar en los Estados Unidos. A partir de entonces viviría en Suiza con Oona, su última mujer, y sus ocho hijos, hasta su muerte el 25 de diciembre de 1977.
Además de la calidad del material y la abundancia de fotografías e imágenes, uno de los aspectos más interesantes de la exposición son las proyecciones de partes de sus películas y de material no incluido, por distintas razones, en sus films. Como el de este vídeo, rodado para la película «City Lights», una escena en la que Charlot trata de sacar un palito de la alcantarilla durante siete minutos, tan perfecta que es imperdible, y es más que probable que no se incluyese para no distraer el resto de contenidos de esta obra maestra.
Lugar: L´Almodí (Sala de Exposiciones) Plaza de San Luís Beltrán s/n. Valencia. (De martes a sábado, de 10 a 14 horas y de 16,30 a 20,30 horas; domingos y festivos, de 10 a 15 horas). Hasta el 17 de mayo. Entrada gratuita.
Un poco de autobombo nunca viene mal, y este viene acompañado de estrellitas… Esta estrella en el paseo de los blogs cinéfilos me la ha otorgado el amigo José Ángel Garrido nominándome desde su blog Sesión Discontínua. Desde aquí quiero agradecerle el gesto, por el que me siento muy alagada y agradecida, pues Sesión Discontínua fue de los primeros que me enlazaron contribuyendo con ello al inicio de mi andadura por este mundillo de los blogs (en el que llevo poco más de tres meses) y que seguro ha servido para que la Puerta de Babel se conozca un poquito.
Para continuar la cadena, y como corresponde en este caso, aquí van mis cinco nominados para que también consigan su estrella bloguera.
Puerta de Babel 