Edén al Oeste (Costa-Gavras, 2009)

De entre los miles de inmigrantes que constituyen la Francia actual, hay uno que se llama Costa-Gavras. Es cierto que a él no le ha ido del todo mal en su patria de adopción, pero también lo es que el tiempo y la tendencia es que cada vez sean más aquellos que tratan de abrirse camino en la vieja Europa a la par que  los sentimientos de sus gentes se tornan menos generosos por el miedo (alimentado por ciertos sectores políticos); miedo al desempleo, a la cultura desconocida, a otras religiones, a otros colores de piel… Sin embargo no deja de ser un fortuna (para el sistema) el engrosamiento de la cadena productiva a base de los sin nombre y sin derechos, esos que se asan 12 horas diarias en invernaderos a cambio de casi nada, hacen los trabajos más ingratos en nuestras ciudades mientras aumentan las arcas públicas (y algunas privadas), nos limpian el culo y aseguramos nuestras prestaciones sociales o nuestras pensiones para un futuro no tan lejano.

Edén al Oeste es el viaje de Elías, que al igual que La Odisea comienza en algún lugar del mar Egeo, desde su Grecia natal, esta vez hasta Paris. Salvando las distancias con el protagonista, pues Costa-Gavras no es sino un inmigrante de lujo que probablemente comparta muy poco con el periplo que supone la aventura para Elías, quizás sea esta una sus películas más personales, que contiene mucha de la experiencia vivida en sus propias carnes o en la de sus compatriotas conocidos. Sin duda un exponente de la madurez actual del cineasta, cuya carrera derivó de un cine cien por cien político (“Z”, “Estado de sitio” o “Desaparecidos”) al realismo social y, sin dejar de lado esos contenidos de modo más o menos explícito, ha sabido ir puliendo el trazo grueso y la angustia de las situaciones recreadas e ir confiriéndoles ese finísimo sentido del humor que rebosa esta película, de tono eminentemente cálido, cercano a la parodia social cuando vemos a la misma persona en un primer momento excluida y abandonada medio desnuda a su suerte en medio de la nieve, cautivando a más de un mentecato (que giraba la vista ante los nuevos esclavos que el sistema económico pone a su disposición) una vez vestido con la chaqueta que le cede en herencia la viuda de algún burgués.

La interpretación de Riccardo Scamarciao se me antojó un Buster Keaton moderno capaz de mantener el papel casi sin diálogo pero con dominio absoluto de cada uno de los registros y gran expresividad corporal. Sin grandilocuencias, sin maniqueísmo, sin tragedia, podría ser el viaje de cualquiera de los que integran el colectivo de cerca de 25 millones de personas que hoy tratan de encontrar en Europa un lugar para una vida mejor. No será la mejor película de Costa-Gavras, pero se disfruta el viaje.

XXX Mostra de Cinema Mediterrani

Del 16 al 24 de octubre se realiza en Valencia la Mostra de Cinema Mediterrani, que este año  ha iniciado una nueva etapa con importantes cambios en sus contenidos y con el propósito de ser un referente dentro de los eventos cinematográficos que se celebran en nuestro país y de seguir promoviendo internacionalmente las cinematografías de los países del Mediterráneo.

Tras la retirada el veterano cineasta  Juan Piquer Simón, la dirección de la Mostra ha sido encomendada a Salomón Castiel, creador y director del Festival de Cine Español de Málaga desde sus inicios en 1998 hasta 2008, así como del Teatro Cervantes durante varios años.

En su XXX edición, la Mostra ha querido realizar un importante esfuerzo por contar con películas atractivas e interesantes que se han rodado en el último año en los países del Mediterráneo. El propósito es conseguir que las productoras y los directores encuentren en este espacio el sitio idóneo para presentar las películas. Se trata de intentar convertir La Mostra en plataforma internacional para el lanzamiento de películas que en ocasiones no encuentran vías de exhibición y distribución más allá de sus fronteras nacionales. La Mostra también pretende que el cine español empiece a considerar atractivo el festival para la promoción de sus películas.

SECCIÓN OFICIAL

Mikro egklima
(Pequeño crimen)  Chipre, Grecia, Alemania (2008)

Dirección: Christos GeorgiouGuión: Christos Georgiou

Producción: Twenty Twenty Vision, Lychnari Productions, Bad Movies

Fotografía: Yorgos Giannelis

Montaje: Isabel MeierMúsica: Thanassis Papakonstantinou, Constantis Papakonstantinou

Intérpretes: Aris Servetalis, Viki Papadopoulou, Rania Ikonomidou, Erricos Litsis, Vangelio Andreadaki

 

Sinopsis
Leonidas, un joven policía recién licenciado, ha sido enviado a una pequeña isla del Egeo. Soñando con resolver crímenes serios en la gran ciudad, lo único que hace es perseguir sin éxito a los infractores de las normas de tráfico y disfrutar con los lugareños del show matutino de Angelikil un ritual diario, ya que Angeliki es la hija más famosa de la isla. Pero la vida de Leonidas cambia cuando el cadáver de Zacarías es hallado al pie de una colina. El jefe de policía cree que Zacarías iba borracho y se cayó accidentalmente, pero Leónidas empieza a investigar. Esa misma noche llega Angeliki

 

Questione di cuore
(Cuestión de corazón)  Italia (2009)

Dirección: Francesca Archibugi
Guión: Francesca Archibugi
Producción: Cattleya, Rai Cinema
Fotografía: Fabio Zamarion
Montaje: Patrizio Marone
Música:Battista Lena
Intérpretes: Antonio Albanese, Kim Rossi Stuart, Micaela Ramazzotti, Francesca Inaudi

Sinopsis
Angelo y Alberto no deberían haberse conocido nunda. El primero es un hombre de familia y el otro es un solitario escritor de éxito, algo loco, tosco y gritón. Tras sufrir un infarto la misma noche, se conocen en urgencias y se hacen amigos contra todo pronóstico. Cuando salen del hospital, todo ha cambiado para ellos. Angelo teme por su familia y Alberto es incapaz de comprometerse con la mujer que ama y ya no puede escribir, ha perdido la inspiración. Como tiene problemas financieros, Angelo lo acoge en su casa, donde Alberto empieza a sentir la felicidad de la vida familiar. Cuando la salud de Angelo empieza a empeorar, piensa en el futuro y se le ocurre un plan: confiar a su amigo lo que él más ama: su mujer y sus hijos.

 

Ajami
(Ajami)  Palestina / Israel (2009)

Dirección: Scandar Copti, Yaron Shani
Guión: Scandar Copti, Yaron Shani
Producción: Inosan Productions
Fotografía: Boaz Yehonatan Yacov
Montaje: Burkhard Althoff, Doris Hepp
Música:RabiahBuchari
Intérpretes: ShahirKabaha, Ibrahim Frege, Fouad Habash, Youssef Sahwani, Ranin Karim, Eran Naim, Scandar Copti, Elias Sabah, Hilal Kabob, Nisrin Rihan, Tami Yerushalmi, Moshe Yerushalmi, Sigal Harel, Abu-George Shibli

Sinopsis
El barrio de Ajami en Jaffa es un crisol de culturas y diferentes puntos de vista entre judíos, musulmanes y cristianos. Echando la vista atrás y a través de diferentes personajes somos testigos de lo insostenible que se está convirtiendo esta situación: Nasri, un chico de 13 años que vive atemorizado; Malek, un refugiado palestino que trabaja en Israel ilegalmente; Binj, un palestino rico que sueña con un futuro brillante junto a su novia judía, y Dando, un policía judío obsesionado con encontrar a su hermano desaparecido.

 

Ibrahim Labyad
(Ibrahim Labyad)   Egipto (2009)

Dirección: Marwan Hamed
Guión: Abbas Abul Hassan
Producción: Good News 4 Film & Music
Fotografía: Sameh Selim
Montaje: Khaled Mareih
Música: Hisham Nazih
Intérpretes: Ahmed El Sakka, Amor Waked, Hind Sabry, Mahmoud Abdel Aziz, Hanan Turk, Bassem Samra

Sinopsis
En plena edad de la inocencia, un niño y su vecina crecen entre las lúgubres y tortuosas calles de uno de los barrios más desamparados y abandonados del Cairo, controlado por bandas y donde el crimen está a la orden del día…Estaban destinados a enamorarse más allá de los límites de lo inimaginable. Será esta misma barriada y sus bandas la que les envuelva en sus círculos viciosos y marque el curso de su destino, haciéndoles pasar de amantes a enemigos eternos. El dolor de sus corazones, ya solitarios, arrastrará a todo aquel que se cruce en su camino.

 

Eden à l’Ouest
(Eden al Oeste)   Francia / Grecia / Italia (2009)

Dirección: Costa-Gavras
Guión: Costa-Gavras, Jean-Claude Grumberg
Productora: KG Productions
Fotografía: Patrick Blossier
Montaje: Yannick Kergoat
Música:Armand Amar
Intérpretes:Riccardo Scamarcio, Ulrich Tukur, Juliane Kölher, Eric Caravaca, Jean-Christophe Folly, Anny Duperey, Leroklis Mihailidis, Annie Loulou, Dina Mihailidou Mihailidou, Odysseas Papaspiliopoulos, Marisha Triantafillidou, Constantinos Markoulakis, Antoine Monot, Florian Martens, Murali Perumal, Michel Robin

Sinopsis
Como en la Ilíada, la aventura de nuestro héroe sin leyenda empieza en el Mar Egeo. Tras muchas breves aventuras, incluyendo una escala en el paraíso y una en el infierno, su epopeya termina mágicamente en París. En un París que aparece centelleante en lo más profundo de los sueños de todo aventurero. La película intenta reflejar estos sueños. Es la historia de los que, como nosotros o anteriormente nuestros padres y madres, recorrieron el mundo de una parte a otra, desafiando los océanos y a los matones uniformados, en busca de un techo.

Harragas
Agelia/Francia (2009)

Dirección: Merzak Allouache
Guión: Merzak Allouache
Producción: Librisfilms – Bayafilms en co-producción con France 2 Cinema
Fotografía: Philippe Guilbert
Montaje: Sylvie Gadmer
Música: David Hadjadj
Intérpretes:Nabil Asli, Seddik Benyagoub, Mohamed Takerret, Lamia Boussekine, Okacah Touita, Samir El Hakim, Abdelkader Mohamed, Abdelatif Benhamed, Mebarek Faradji, Rachid Zamouche, Yacine Naceur, Belkacem Bentata, Abdellah Besghir, Hamou Houidef

Sinopsis
Montaganem, a 200 km de la costa de Argel . Hassan, dueño de una patera, está organizando otro grupo de inmigrantes ilegales para llevarlos a España. Cuatro amigos y seis “quemadores” del sur de Argelia que han financiado prácticamente en su totalidad la travesía, harán el viaje. Harragas es la odisea de un grupo de ilegales que surca el Mediterráneo para intentar llegar al sur de España, convertido en la puerta del codiciado El dorado Europeo.

 

Fais-moi plaisir
Francia (2009)

Dirección: Emmanuel Mouret
Guión: Emmanuel Mouret
Producción: Moby Dick Films; Les Films Pelléas
Fotografía: Laurent Desmet
Montaje: Martial Salomon
Música:David Hadjadj, Jérôme Rebotier
Intérpretes:Emmanuel Mouret, Judith Godrèche, Déborah François, Frédérique Bel, Jacques Weber

Sinopsis
Ariane está convencida de que su novio Jean-Jacques fantasea con otra mujer. Para salvar su relación, le pide que tenga aventura con ella, pensando que será el mejor remedio para liberarle. Cuando Jean-Jacques se presenta en casa de esa mujer a la que a penas conoce, todavía no sabe que se trata de la hija del Presidente de la República…

 

Quelque chose à te dire
Francia (2009)

Dirección: Cécile Telerman
Guión: Cécile Telerman, Jérôme Soubeyrand
Producción: La Mouche du Coche Films; Les Films de la Greluche, StudioCanal, TF1 Films Production,Canal +
Fotografía: Robert Alazraki A.F.C.
Montaje: Marie Castro
Música:Jacques Davidovici
Intérpretes: Mathilde Seigner, Olivier Marchal, Pascal Elbè, Charlotte Rampling, Patrick Chesnais, Sophie Cattani, Marina Tomé, Gwendoline Hamon, Laurent Olmedo, Françoise Lebrun

Sinopsis
La familia Celliers es como cualquier familia, todos sus miembros están locos de atar. Mady, ama de casa de 60 años, se pasa la vida hablando mal de sus hijas y de su marido Henry, un hombre extraño que desde que se ha jubilado parece estar en regresión. Antoine, el hijo mayor, es incapaz de llevar a buen puerto un negocio. Alice pinta obsesivamente madonas depresivas, y Annabelle, enfermera de cuidados intensivos, intenta desesperadamente salvar a su familia leyéndoles el futuro. La máquina de las neurosis familiares se detiene cuando Alice conoce a Jacques, un policía solitario y de vuelta de todo, hasta que todo estalle…para bien o para mal.

 

Slovenka
(La chica eslovena)   Eslovenia (2009)

Dirección: Damjan Kozole
Guión: Ognjen Sviličić, Matevž Luzar, Damjan Kozole
Producción: Vertigo/Emotionfilm
Fotografía: Aleš Belak
Montaje: Andrija Zafranović
Música: Silence
Intérpretes:Nina Ivanišin, Peter Musevski, Primož Pirnat, Maruja Kink, Uroš Fürst, Andrej Murenc, Aljoša Kovačič, Dejan Spasić

Sinopsis
Ljubljana 2008. Eslovenia ostenta la Presidencia de Unión Europea. Alexandra, 23 años, es una estudiante de Filología y literatura inglesa. Viene de una ciudad pequeña. Sus padres están divorciados. Nadie sabe que Alexandra pone anuncios personales con el apodo de “la chica eslovena” y que la prostitución es su fuente de ingresos secreta. Es una perfecta manipuladora, es mentirosa, un poco ladrona y odia a su madre. La única persona que le importa es su padre, un roquero acabado. Alexandra sabe lo que quiere, pero la vida no es tan fácil como esperaba.

 

Brothers
(Hermanos)  Israel (2008)

Dirección: Igaal Niddam
Guión: Igaal Niddam, David Belhassen, Roy Katsiri
Productora: Troubadour Films
Fotografía: Claudio Steinberg
Montaje: Maya Schmid, Kobi Natanael
Intérpretes:Baruch Berner, Micha Selectar, Orna Fitoussi

Sinopsis
Dos hermanos muy diferentes se encuentran en Israel después de años del silencio. Dan elige trabajar en la tierra, viviendo en un kibbutz en el sur de Israel. Aaron, su hermano es doctor en derecho y en filosofía y un erudito distinguido de la Torah. Viene a Jerusalén de los Estados Unidos para defender los derechos de los estudiantes de la Torah. El conflicto que surge entre los dos hermanos refleja la división de la sociedad destrozada entre sus principios religiosos y políticos

 

Come Dio comanda
(Como Dios manda) Italia (2009) 

Dirección: Gabriele Salvatores
Guión: Niccolò Ammaniti , Antonio Manzini, Gabriele Salvatores
Producción: Colorado Film y Rai Cinema, con la colaboración de Friuli Venezia Giulia Film Commission
Fotografía: Italo Petriccione
Montaje: Massimo Fiocchi
Música: Mokadelic
Intérpretes: Filippo Timi, Elio Germano, Alvaro Caleca, Fabio De Luigi, Angelica Leo

Sinopsis
En un pueblo del norte de Italia viven Cristiano y su padre Rino, un hombre lleno de ira, rebelde y racista y que está casi todo el día borracho. El único amigo que tienen es Quattro Formaggi, que desde su accidente, vive en un mundo imaginario en el que reparte su afecto entre Rino y la imagen de una actriz porno que ve en televisión, Ramona Superstar. En su locura particular, Quattro Formaggi cree que la novia de Cristiano es su querida Ramona y comienza a acecharla.

 

Dowaha
(Canción de cuna) Túnez / Suiza / Francia (2009)

Dirección: Raja Amari
Guión: Raja Amari
Producción: Nomadis Images, Akka Films, Les Films D’ici
Fotografía: Renato Berta
Montaje: Pauline Dairou
Música:Philippe Heritier, Erik Rug
Intérpretes:Hafsia Herzi, Sondos Belhassen, Wassila dari, Rim El Benna, Dhafer L’abidine

 

Sinopsis
Aicha, Radia y su madre viven apartadas del mundo, en el las dependencias del servicio ubicadas en el sótano de una mansión deshabitada. Su rutina se ve sacudida con la llegada de una pareja de jóvenes a la casa principal. Los recién llegados y estas tres mujeres coexisten de una manera muy singular ya que éstas se esfuerzan en por permanecer en la sombra. No pueden abandonar su refugio pues una serie de secretos las retiene allí… Sin embargo Aicha, la hermana pequeña, siente curiosidad por los nuevos inquilinos…

 

MOSTRA DE CINEMA VALENCIÀ

Apartado: Largometrajes 35mm Cine Valenciano

» Entre esquelas
Entre esquelas  •  Obituaries

» Cos Mortal
Cos Mortal  •  Mortal Body

» Malamuerte
Malamuerte  •  Malamuerte

» Amanecer de un sueño
Amanecer de un sueño  •  Awaking up from a dream

» El agua de la vida
El agua de la vida  •  The Water of Life

» Antes de morir piensa en mí
Antes de morir piensa en mí  •  Think of Me Before You Die

Apartado: Series TV Cine Valenciano

» Vull…ser…actors
Vull…ser…actors  •  I want.. to be… actors

» L´alqueria Blanca
L´alqueria Blanca  •  The white Alqueria

Apartado: Corto 35 mm

» Detalles
Detalles  •  Details

» Trato
Trato  •  Treaty

» Dejar a Marcos
Dejar a Marcos  •  Leaving Marcos

» Cómo conocí a tu padre
Cómo conocí a tu padre  •  How I met your father

» La flor carnívora
La flor carnívora  •  The Carnivorous Flower

» The Werepig
The Werepig  •  The Werepig

» Theatron
Theatron  •  Theatron

» Mírate
Mírate  •  Take a look at yourself

» Ana desitja no ser
Ana desea no ser  •  Ana doesn’t want to be

Apartado: Cortos Documental

» Clown, la emoción de la risa
Clown, la emoción de la risa  •  Clown, the emotion of laughter

» Buscando el Duende
Buscando el Duende  •  The search for the Duende

»  Rumbo Ítaca
Rumbo Ítaca  •  Destination Itaca

» Operación Kobra
Operación Kobra  •  Operation Kobra

» El taller de video
El taller de video  •  The video workshop

»  Des d’un lloc on mai passa res
Des d’un lloc on mai passa res  •   Des d’un lloc on mai passa res

» Dominicana, la tierra prometida
Dominicana, la tierra prometida  •  Dominicana, The Promised Land

» Vie – iras
Vie – iras  •  Clams

» Desdedins
Desdedentro  •  From inside

»  L´home que va desplegar mil cors
El hombre que desplegó mil corazones  •  The man who unfolded a thousand hearts

» Manuela Ballester, el llanto airado
Manuela Ballester, el llanto airado  •  Manuela Ballester, The Angry Cry

» Un hombre de esencia
Un hombre de esencia  •  A real man

Apartado: Documentales Cine Valenciano

» Cristóbal Colón, los enigmas
Cristóbal Colón, los enigmas  •  Christopher Colombus, The Enigmas

» Temps d´aigua
Tiempo de agua  •  The Age of Water

Apartado: Corto Video

» Adicción
Adicción   •  Adiction

» Zorba
Zorba   •  Zorba

» Nebbia
Nebbia  •  Nebbia

» El hombre del saco
El hombre del saco  •  The boogey man

» El secreto de la esfinge
El secreto de la esfinge  •  The secret of the sphinx

» 54 Escalones
54 Escalones   •  54 Steps

» La pilona
La pilona  •  La pilona

» Triste cosecha
Triste cosecha  •  Sad Harvest

» Elements de distorsió
Elementos de distorsión  •  Elements of distorsion

» El juramento de los pastores
El juramento de los pastores  •  The Shepherds oath

» Ell@s
Ell@s  •  Them

» ¿Estás Bien?
¿Estás Bien?  •  Are you OK?

» Vuelve
Vuelve  •  Come back

» Papeles Rosas
Papeles Rosas  •  Pink papers

» Los instantes perdidos
Los instantes perdidos  •  Missing moments

» Allegro ma non troppo
Allegro ma non troppo  •  Allegro, but not too allegro

» Turno de noche
Turno de noche  •  Night Shift

» Lima Splash. Una historia de publicidad
Lima Splash. Una historia de publicidad  •  Lima Splash. A publicity story

» Disculpa
Disculpa  •  Apologies

» Pez gato
Pez gato  •  Cat fish

» Toro Díaz
Toro Díaz  •  Toro Díaz

» Código 1024. Montaña de Alicante
Código 1024. Montaña de Alicante  •  Code 1024. Alicante’s Mountain

» El giro que no cesa
El giro que no cesa  •  The never ending circle

» Una tarde en el cielo
Una tarde en el cielo  •  An Afternoon In Heaven

» La cuadrilla invencible
La cuadrilla invencible  •  The invencible squad

» 6 Caras
6 Caras  •  6 Faces

» Un papel a medida
Un papel a medida  •  A taylor made role

» Contra
Contra  •  Against

» El día de la prueba
El día de la prueba  •  The day of the casting

» La triple diosa
La triple diosa  •  The triple Goddess

» La calle es tuya
La calle es tuya  •  The road is yours

» Si una noche….
Si una noche….  •  If one night

CICLOS – HOMENAJES

Apartado: País Invitado: Marruecos

» Le résistant inconnu
Le résistant inconnu  •  The Unknown Resistance Fighter

» Al-Kabus/ Cauchemar
Pesadilla  •  Nightmare

» Les amis d’hier
Los amigos de ayer  •  Yesterday’s Friends

» Le grand voyage
El largo viaje  •  The Long Journey

» Dakira Moatakala/Mémoire en détention
Memorias de una detención  •  Memories of doing time

» WWW. What a Wonderful World
WWW. What a Wonderful World  •  WWW. What a Wonderful World

» Argana
Argana  •  Argana

» Ali Zaoua, prince de la rue
Ali Zaoua, principe de Casablanca  •  Ali Zaoua, Prince of the Streets

» Memoire 14
Memoria 14  •  Memory 14

» Les amants de Mogador
Les amants de Mogador  •  The Lovers of Mogador

» Le résistant inconnu
Le résistant inconnu  •  The Unknown Resistance Fighter

» Atach/ Soif
Sed  •  Thirst

Apartado: Homenaje a Giuseppe Tornatore

» Omaggio a Falcone. Palermo capitale dell’antimafia
Homenaje a Falcone. Palermo, capital de la antimafia  •  Homage to Falcone. Palermo, the Antimafia Capital

» Scrittori siciliani e cinema
Escritores sicilianos y cine  •  Sicilian Writers and Cinema

» L’anticamera del paradiso
La antecámara del paraíso  •  L’anticamera del paradiso

» La fabrica tra gli uglivi
La fábrica entre los olivos  •  La fabrica tra gli uglivi

»  Ritratto di un rapinatore
Retrato de un violador  •   Ritratto di un rapinatore

» Incontro con Francesco Rosi
Encuentro con Francesco Rosi  •  Meeting with Francesco Rosi

» Dolce & Gabanna: Profumo
Dolce & Gabanna: Profumo  •  Dolce & Gabanna: Profumo

» La Sconosciuta
La Desconocida  •  The Unknown

» Malèna
Malèna  •  Maléna

» L’uomo delle Stelle
El hombre de las estrellas  •  The Star Man

» La leggenda del pianista sull’oceano
La leyenda del pianista en el océano  •  The Legend of 1900

» Stanno tutti bene
Están todos bien  •  Everybody is fine

»  Il Cane Blu
El perro azul  •  The Blue Dog

» II Camorrista
El profesor  •  The Professor

»  Nuovo Cinema Paradiso
Cinema Paradiso  •  Cinema Paradiso

» Una Pura Formalitá
Pura formalidad  •  A Pure Formality

» Diario di Guttuso
Diario di Guttuso  •  Diario di Guttuso

» ENI: IP con l’Italia
ENI: IP con l’Italia  •  ENI: IP con l’Italia

» Barilla: Mulino Bianco
Barilla: Mulino Bianco  •  Barilla: Mulino Bianco

» Grandmother: Chef Boyardee
Grandmother: Chef Boyardee  •  Grandmother: Chef Boyardee

»  Ritratti d’autore: Quattro chiacchiere con Ricardo Freda
Retratos de autores: Cuatro charlas con Riccardo Freda  •  Images of an Author: Four Chats with Riccardo Freda

» Calze San Pellegrino
Calze San Pellegrino  •  Calze San Pellegrino

» Presidenza del Consiglio: Pomeriggi al cinema
Presidenza del Consiglio: Pomeriggi al cinema  •  Presidenza del Consiglio: Pomeriggi al cinema

» Giuseppe Tornatore: un sogno fatto in Sicilia
Giuseppe Tornatore: un sueño hecho en Sicilia  •  Giuseppe Tornatore: a Dream Made in Sicily

» Diners Club: Funerale a Venezia
Diners Club: Funerale a Venezia  •  Diners Club: Funerale a Venezia

» Tim e Dual Band: Tutta un’altra musica
Tim e Dual Band: Tutta un’altra musica  •  Tim e Dual Band: Tutta un’altra musica

» Tele +: Il faro e La piazza
Tele +: Il faro e La piazza  •  Tele +: Il faro e La piazza

» Enel: Energy dome
Enel: Energy dome  •  Enel: Energy dome

» Q8: Rally delle meraviglie
Q8: Rally delle meraviglie  •  Q8: Rally delle meraviglie

» Nissan: Nissan El grand
Nissan: Nissan El grand  •  Nissan: Nissan El grand

» En el: L’albero
Enel: L’albero  •  Enel: L’albero

» Dolce & Galbana: Il cinema
Dolce & Galbana: Il cinema  •  Dolce & Galbana: Il cinema

» Cavalli: La donna di creta e il serpente
Cavalli: La donna di creta e il serpente  •  Cavalli: La donna di creta e il serpente

» AIMA: Parlamento
AIMA: Parlamento  •  AIMA: Parlamento

» Dolce & Galbana: Il funerale
Dolce & Galbana: Il funerale  •  Dolce & Galbana: Il funerale

» Bertolli: Nuove Parole
Bertolli: Nuove Parole  •  Bertolli: Nuove Parole

» Sky: Imagina che…
Sky: Imagina che…  •  Sky: Imagina che…

» Migros: Sélection
Migros: Sélection  •  Migros: Sélection

» Monte dei Paschi di Siena: Una giornata italiana
Monte dei Paschi di Siena: Una giornata italiana  •  Monte dei Paschi di Siena: Una giornata italiana

» Parisienne people
Parisienne people  •  Parisienne people

Apartado: Homenaje a Berlanga

» París-Tombuctú
París-Tombuctú   •  Paris-Timbuktu

» Tamaño natural
Tamaño natural  •  Natural Size

» Moros y cristianos
Moros y cristianos  •  Moors and Christians

» Los jueves, milagro
Los jueves, milagro  •  Thursdays, Miracle

» La boutique
La boutique  •  The Boutique

» ¡Vivan los novios!
¡Vivan los novios!  •  Long Live Boyfriends!

» Calabuch
Calabuch  •  Calabuch

» Novio a la vista
Novio a la vista  •  Boyfriend Ahoy

» Esa pareja feliz
Esa pareja feliz  •  That Happy Couple

» Por la gracia de Luis
Por la gracia de Luis  •  By the grace of Luis

» Placido
Placido  •  Placido

Apartado: Fantastic Factory

» Rottweiler
Rottweiler  •  Rottweiler

» La monja
La monja   •  The Nun

» Dagon, la secta del mar
Dagon, la secta del mar  •  Dagon: Sect of the Sea

» Faust, la venganza está en la sangre
Faust, la venganza está en la sangre   •  Faust: Love of the Damned

» Arachnid
Arachnid   •  Arachnid

» Romasanta, la caza de la bestia
Romasanta, la caza de la bestia  •  Romasanta, The Werewolf Hunt

» Bajo aguas tranquilas
Bajo aguas tranquilas  •  Beneath Still Waters

» Beyond Reanimator
Beyond Reanimator  •  Beyond Reanimator

» Darkness
Darkness   •  Darkness

Apartado: Coetáneos Berlanga

» I soliti ignoti
Rufufú  •  Rufufú

» Profumo di donna
Perfume de mujer  •  Women’s Perfume

» Miracolo a Milano
Milagro en Milán  •  Miracle in Milan

» Divorzio all’italiana
Divorcio a la italiana  •  Divorce the Italian Way

» El pisito
El pisito  •  The Little Flat

» I compagni
Los camaradas  •  The Comrades

» Il sorpasso
La escapada  •  The Break-out

Apartado: El cine de los exiliados

» Les enfants du paradis
Los niños del Paraíso  •  Children of Paradise

» Viridiana
Viridiana  •  Viridiana

» Las fuerzas vivas
Las fuerzas vivas  •  The Living Forces

» Hollywood contra Franco
Hollywood contra Franco  •  A War in Hollywood

» La guerre est finie
La guerra ha terminado  •  The War Is Over

» Bodas de sangre
Bodas de sangre  •  Blood Wedding

Apartado: Un mar de risas

» L’ auberge rouge
El albergue rojo  •  The Red Inn

» Captain Abu Raed
Capitán Abu Raed  •  Captain Abu Raed

» Sukkar banat
Caramel  •  Sukkar banat

» Bikur Ha-Tizmoret
La banda nos visita  •  The Band’s Visit

» Pagafantas
Pagafantas  •  Friends Zone

» Zavet
Prométeme  •  Promise Me This

» Pranzo di ferragosto
Vacaciones de ferragosto  •  Mid-August Lunch

Apartado: Alrededor de medianoche/La Noche de Friki Films

» Dos primos muy primos
Dos primos muy primos  •  Two Very Foolish Cousins

» Los maravillosos
Los maravillosos  •  The Wonderful

» Deshielo
Deshielo  •  Defrosting

» Curriculum
Curriculum  •  Curriculum

Apartado: Alrededor de medianoche/El Combate del siglo

» 2 Náufragos
2 Náufragos  •  2 Castaways

» Peñíscola Mon Amour
Peñíscola Mon Amour  •  Peñíscola My Love

» Cosas que hacen que la vida merezca la pena
Cosas que hacen que la vida merezca la pena  •  The Things That Make Life Worth Living

» Manolín
Manolín  •  Manolín

» Mi madre se llama Sagrario
Mi madre se llama Sagrario  •  My mother’s name is Sagrario

» Kárate a muerte en Torremolinos
Kárate a muerte en Torremolinos  •  Karate Carnage in Torremolinos

» Ellos robaron la picha de Hitler
Ellos robaron la picha de Hitler  •  They stole Hilter’s cock

Apartado: Ciclo Ciudad de la Luz

» Quiéreme
Quiéreme  •  Love me

» Sa majesté Minor
Su majestad Minor   •  His Majesty Minor

» Arritmia
Arritmia  •  Guantanamero

»  Atasco en la nacional
Atasco en la nacional   •  Traffic jam on the motorway

» La Mala
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LA MOSTRETA

Sección de la Mostra de Valencia dedicada al público infantil. La Mostreta tiene la finalidad de acercar el cine a los más pequeños y que aprendan a amar este arte.

Listado de peliculas de la Sección: Mostreta

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Paréntesis

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Bien, pues esta entrada es para comunicaros que tengo la intención de tomarme un descanso. No se trata de un descanso veraniego, que también lo habrá. He tomado la decisión de aparcar el blog, de tomarme un tiempo. Es una necesidad, a veces es sano pararse y reorganizar los asuntos. Sé que mañana, o probablemente cinco minutos después de darle a la tecla publicar, comenzaré a notar los primeros síntomas de abstinencia. Pero una mezcla de cansancio y falta de tiempo, sumado a las perspectivas de proyectos que después del verano me van a restar muchas horas para dedicarme como quisiera al blog, me han llevado a tomar esta primera decisión. Digo primera porque ahora mismo no sé ni quiero decidir si se trata de una pausa o de un cierre definitivo. Quedó bastante material por añadir, pero orientarlo de otro modo o publicar esporádicamente alguna entrada no me resulta nada atractivo, y continuar con el ritmo actual es ahora mismo inviable.

Haciendo un pequeño balance de este algo más de año y medio, si algo tengo claro es que ha merecido la pena. 74.000 visitas (desde la andadura en wordpress, cuatro meses después del inicio del blog) y algo más de 1.200 comentarios me hacen sentirme realmente satisfecha. Inicié este blog sin esperar nada, con la sola voluntad de expresar y difundir lo que me gusta, asumiendo el riesgo de contenidos poco comerciales, y encontrar esta respuesta ha sido agradable a la vez que sorprendente.

En fin, que no quería dejar de actualizar sin más, sin una pequeña explicación y, por supuesto, sin dar las gracias a todos aquellos que me han visitado, a los que con sorprendente regularidad están siempre aunque no dicen nunca nada (ese puñado de IP´s que no fallan) y, en particular, a los que habéis dejado algún comentario, que siempre hacen sentir que lo que se hace no es baldío.

Pero de modo muy especial a los que desde el principio de esta andadura estáis ahí y me habéis apoyado comentando o enlazando; y, como no, a los que pasáis o mandáis mensajes incluso habiendo abandonado ya esto de la blogosfera, porque gracias a todos vosotros hacer el blog ha tenido más sentido. Que me tome unas vacaciones por tiempo indefinido no quiere decir que no os visite de vez en cuando y, con vuestro permiso, me deje caer con algún comentario cuando tenga algo que decir. Pues aquí lo dejo, de momento, aparcado pero con la puerta abierta. Muchas gracias, a todos.

Tokyo! (Michel Gondry, Leos Carax, Bong Joon-ho, 2008)

Hace unos días tuve la oportunidad de ver Tokyo!, un film que recoge tres mediometrajes de diferentes cineastas con el denominador común de situar sus trabajos en la capital japonesa. Una mirada hacia el Tokyo de hoy que en conjunto se me antoja una de las propuestas más imaginativas e interesantes del cine fantástico que he podido ver   en lo que va de año.

Se trata de un proyecto independiente, coproducción de Japón, Francia y Corea del Sur, a cargo de tres directores, que a la vez ninguno es nipón. Los dos primeros llevan la firma de los franceses Michel Gondry (La ciencia del sueño; Rebobine, por favor) y Leos Carax (The House), del que no veíamos ningún trabajo desde 1999. La última es del coreano Bong Joon-ho, conocido por su mediática The Host. Los tres manejan con habilidad recursos estéticos y visuales distintos, lo que hace al conjunto más interesante, y todos utilizan originales giros en el guión, por lo que no desvelaré demasiados detalles del argumento, sólo recomiendo que no os la perdáis, sea o no estrenada en nuestros cines, porque las tres (con sus virtudes y defectos) merecen la pena y presentan puntos de vista muy diferentes, alejados de los clichés habituales, pero conservando la personalidad de cada director.

El primero de ellos es Interior Design, de Michel Gondry. Cuenta las peripecias de una joven pareja que busca su lugar en la gran ciudad. Una historia bastante manida en el cine, pero a la que Gondry le confiere un toque onírico, casi claustrofóbico, dando muestras de una imaginación y sentido del humor realmente extraordinarios. Simplemente excelente en cuanto a ritmo y utilización de recursos. Es el que más me gustó, además de hacer recuperar mi confianza, algo perdida con su último Rebobine, para con el cine de Gondry.

El segundo film, Merde, de Leos Carax, es completamente distinto al anterior. El protagonista, el hombre excremento, es un personaje uraño, inadaptado y extraño, que vive bajo tierra, en las alcantarillas de Tokyo. Carax pretende una metáfora sobre los pilares éticos en los que se sustentan las nuevas generaciones urbanitas; una sociedad en la que debajo de su sociabilidad se halla el siempre viejo conservadurismo, el racismo y la xenofobia. Decía que no tiene nada que ver con el primero porque trata de introducir ciertos elementos del cine fantástico y de terror, dotándolo de buen humor, pero carente de cualquier asomo de  delicadeza y sensibilidad, sobre todo si con Gondry lo comparamos. Eso sí, hay que destacar la excelente interpretación de Denis Lavant, único protagonista no asiático del conjunto, y también los continuos guiños a Godzilla.

La tercera película, Tokyo Shaking, narra la relación entre diversas personas que viven encerradas en un piso, lugar en el que han creado su propio mundo, su propia isla de felicidad, y que ven amenazado su rol cotidiano cuando uno de ellos se enamora repentinamente de una repartidora de pizza. Vaya, otra metáfora, también sobre la sociedad japonesa, aunque esta vez centrándose en la triste soledad de los habitantes de una ciudad que paradójicamente viven rodeados de millones de personas, algunas a muy pocos metros de distancia. Se trata de un film mucho más lento, pero con buen ritmo y bien realizado, que mantiene el elemento fantástico de los anteriores. Pero es el que menos me gusto, tal vez porque le falte un final más concluso para ser del todo redondo.

Sweet Movie (Dusan Makavejev, 1974)

Desde que en 1974 se presentara en Cannes, una tormenta de controversias concluyeron con la prohibición de este largometraje en numerosos países, mientras que en otros  continúan a día de hoy severamente censuradas  muchas de sus escenas. Como consecuencia, un sector importante del público desconoce su existencia; otro no ha podido acceder a ella, al menos en su versión íntegra, hasta el lanzamiento del DVD por Criterion en verano de 2007.

Desde mi punto de vista, los numerosos improperios que durante años se lanzaron sobre el film, tildándolo de grosero, incivilizado y ofensivo como mejores lindezas, si bien no faltan a la verdad resultan bastante superficiales y no atienden a la sustancia de la película, obviando lo más importante: se trata de la comedia política más audaz, gamberra y escandalosa que probablemente exista en el cine moderno. Contiene también algunos elementos que han servido de referente a cineastas posteriores, como Kusturika o György, y lejos de tener como único objetivo la exhibición gratuita de escenas para muchos ofensivas o difíciles de digerir (para la que suscribe también), constituye una caricatura enérgica del capitalismo con el telón de fondo de la Guerra Fría, y su consecuente reflejo social en la vieja Europa. Sobre todo deja patente de modo fehaciente que, de manera independiente a la ideología con la que se presentara disfrazado (véase sociedad democrática occidental, véase degeneración del proyecto de dictadura del proletariado), ambos modelos atendían a un tipo de sociedad no tan distinta en su fondo, a pesar de las formas (y los años le van dando la razón), donde la libertad, la creatividad y el placer son tergiversados en nombre del individualismo, el consumismo o la idealización de la eterna juventud -si miramos hacia al oeste-, o el miedo, la sumisión y el desprecio absoluto de las libertades más básicas si miramos a la entonces Europa del este.

Este retrato, lejos de escandalizar a los académicos setenteros, más bien sería lógico pensar que se hubiese prestado a reconocimientos y elogios de diversa índole. Entonces, ¿porque Sweet Movie sigue causando tanto revuelo? Probablemente la razón haya que buscarla en la intencionalidad formal del director (también guionista), pionero a la hora de elaborar un crudo retrato social  que borra cualquier regla cinematográfica precedente y transgrede las fronteras artísticas habidas hasta la fecha. Viéndola con la perspectiva del tiempo y como lo que es, una negrísima, provocadora y extravagante ficción caricaturesca, nos encontramos ante una película divertida, inteligente y compleja que exige del espectador algo más que ver y escuchar lo que se sucede en la pantalla, tanto por su estructura como por su compromiso estético, ambos radicalmente poco convencionales. Hay que advertir que el contenido de muchas escenas es realmente zafio, abyecto, por lo que cabe recomendar su visionado sólo para aquellos con una mentalidad muy abierta a la vez que un estómago suficientemente cerrado.

Pero antes de abordar el argumento y sus influencias artísticas y filosóficas, conviene esbozar brevemente quién fue Dusan Makavejev. Psicólogo antes que cineasta y uno de los máximos exponentes del Novi Film yugoslavo, Makanejef pertenece a la corriente del modernismo cinematográfico , donde se incluirían cineastas como Alain Resnais, Miklos Jancso, Jean Luc Godard, Pier Paolo Pasolini, Jean M. Straub, Vera Chitylova o Alexander Kluge. No es objeto de esta entrada extenderme en las características concretas de esta corriente; cabe apuntar, sin embargo que todos ellos parten de cierta elusión narrativa, la experimentación en los métodos de producción y el compromiso crítico sobre las condiciones sociales de la época. El cine, como cualquier arte, nunca es ajeno a los mecanismos sociales, políticos e incluso económicos, y Makavejev, en su Yugoslavia, entenderá estos principios de modo especialmente crítico con la realidad de su país y siempre en contraposición a la figura de la autoridad y la represión. Tras algunos cortometrajes y documentales, y un polémico estreno del film “Inocencia sin defesa”, en 1971 trata de llevar a las pantallas la controvertida “Misterios del organismo”, una película montada a modo de collage que entremezcla noticieros y fragmentos de otras cintas con una historia central sobre las teorías del inconformista psicólogo Wilhelm Reich, introduciendo asuntos eróticos de modo explícito y sugiriendo con ello que la libertad sexual podría ser motor importante de la revitalización del marxismo. La película fue prohibida y Makavejev se vio obligado a huir de Yugoslavia, para no regresar hasta 1988. Sweet Movie tuvo que rodarse en Canadá, Francia y Holanda, con financiación de Alemania Occidental.

Sweet Movie carece de narración lineal en el sentido formal del término y está construida, como la anterior, a modo de piezas de puzle que se suceden, intercalando sucesivamente dos historias paralelas que solo se encuentran al final de la película. Se inicia con un concurso de belleza para elegir la Miss Mundo “más virgen” de 1984. La ganadora es Miss Canadá y su premio el matrimonio con Mr. Dólares, un magnate de la industria de la leche que presume de ser el hombre más rico del mundo, dotado de un enorme pene de oro macizo. Su nuevo marido resulta sin embargo un personaje extremadamente hortera, maniático de la asepsia sexual e hipocondríaco, con un particular y mórbido temor a las enfermedades relacionadas con el sexo. Rechazado por ella en la noche de bodas, y tras una discusión sobre el reparto de los bienes matrimoniales que no tiene desperdicio, es finalmente secuestrada, introducida en una maleta y facturada como equipaje a París. Allí entabla relación con un espécimen dedicado a la canción melódica, español para más señas, con el que se une a una comuna dedicada a las extravagantes travesuras de sus miembros, seres más que desinhibidos que no son sino un cómico retrato del movimiento hippie que aparentemente profesa la libertad absoluta, aunque en el fondo no haya demasiada diferencia en sus relaciones ni reacciones con mundo del rico marido que la despachó. Aquí también el tiempo le ha dado toda la razón.

Paralelamente a este hilo narrativo, vemos un vapor navegando por un canal de Ámsterdam. Su nombre es Supervivencia y tiene como rasgo distintivo una gran talla con el rostro de Karl Marx en la proa. Los pasajeros son en su mayoría muy jóvenes (hay incluso niños, en clara referencia a la presentación que se hacía en la Europa del Este del nuevo régimen frente al caduco occidente), y la carga consiste en toneladas de azúcar y golosinas. Su capitana, Anna o Capitán Planeta, se enamora perdidamente de un marinero al que recoge mientras hace auto-stop en el rio, y que lleva la palabra “Potemkim” grabada en la gorra, que pasará a convertirse en su alocado amante. Tras algunas orgías (hay escenas explícitas) trata de deshacerse de él a golpe de puñaladas, pero solo obtiene burlas y risas. Pocas dudas caben acerca de que la muerte no es lo más temible en el barco de la supervivencia.

Hacia el final de la película, el sexo, la subversión, lo absurdo, convergen en dos escenas: por una parte vemos a Miss Mundo sumergida desnuda en un baño de chocolate para un anuncio publicitario, a modo de sensual abandono, donde encuentra la muerte tras un espectacular orgasmo ahogada bajo toneladas de chocolate; por otra, asistimos a una auténtica masacre en el barco, que concluye en carga policial y la detención de los supervivientes. Makavejev satiriza las frivolidades del capitalismo con tanto ímpetu como ataca la represión del falso comunismo soviético, aunque trata de imprimir una visión positiva dando un giro final en la última escena, cuando los cadáveres que yacen a lo largo del canal comiencen a revivir al tiempo que aparecen los créditos finales, sugiriendo que la vida y la libertad son, a pesar de todo, inextinguibles.

Una de las fuentes, al menos de las secuencias más escabrosas y degradadas, son (como en su anterior film) las teorías de Wilhelm Reich, sobre todo las que se refieren a la comuna donde convive la protagonista en París y las que corresponden al anárquico (y azucarado) despliegue sexual en el interior del barco. Cabe recordar que cuando se realizó la película, los acontecimientos de Mayo del 68 estaban relativamente frescos; también el caso de la comuna Friedrichshof (1972), que pretendía reemplazar instituciones burguesas como la propiedad privada y la monogamia por la emancipación sexual ilimitada, y que fue disuelta y sus miembros acusados, entre otros cargos, de pedofilia. El recreo que hace Makavejev contiene grandes dosis de realismo además de claras referencias a los precedentes artísticos de la época, el Movimiento Pánico, el mundo del Body Art y la Performance. O, de forma aquí más precisa, el Accionismo Vienés, con la presencia en pantalla del mismo Otto Mühl, por lo que conviene poner sobre aviso al espectador, que se enfrenta a todo tipo de escenas de excreción explícita por diversos orificios corporales, incluida la escatología más soez, que sin duda expanden hasta el límite las posibilidades transgresoras de una práctica artística radical, llevada aquí hasta sus (casi) últimas consecuencias. También se deducen algunas de las teorías del pensador ruso Mikhail Bakhtin, quien con su teoría del Gran Carnaval revolucionó el pensamiento de la época mediante la idea del arte salvaje y caótico como necesidad desesperada de la sociedad para la liberación del sometimiento a los códigos de decoro y decencia impuestos por el poder dominante.

Con todo, mucho más inquietantes que toda esta sucesión de (quizás) despropósitos, resultan las imágenes de archivo que documentan la masacre del Bosque de Katyn, intercaladas hábilmente entre las escenas más románticas, que son las que tienen lugar entre la Capitán Planeta y el marinero Potemkim (que no es sino la URSS). En Katyn, el ejército soviético asesinó y enterró en fosas comunes (muchos de ellos vivos según las autopsias) a más de catorce mil prisioneros polacos. La masacre se atribuyó a la Alemania nazi, pero en 1992, tras la caída del Muro, Rusia reconocerá que fue Stalin quien autorizó los asesinatos. Makavejev entiende el régimen imperante en los países del este como una forma de fascismo, que utiliza el marxismo para en realidad tergiversarlo en beneficio del poder de una minoría. Cuando sucede la masacre ficticia en el buque Supervivencia, vemos como a la figura de Marx de la proa le cuelga de un ojo una enorme bolsa de agua a modo de gran lágrima, mientras intercala imágenes de archivo de los asesinados reales en 1943, lo que sugiere claramente que los ideales y filosofía de Marx sobre un futuro esperanzador y libre fueron también enterrados en el Bosque de Katyn.

El montaje, de Yan Dedet, cuyo puzle no parece tener una conexión lógica ni en la narración ni en el tiempo, aunque en conjunto se perciben los vínculos y su significado, se debe, con bastante probabilidad, a la influencia del cine abstracto surrealista de la década de los cincuenta, entre los que se encontrarían algún film de Chris Marker (Carta a Siberia, 1957) o los cortometrajes de Bruce Conner, y a la influencia de la vanguardia soviética de los años 20, entre ellos, Einsestein.

La banda sonora merece mención aparte. Ideada por el compositor griego Manos Hadjidakis, incluye algunos conocidos temas setenteros intercalados entre canciones como Bandiera Rossa, canción popular utilizada como himno de los comunistas y socialistas italianos, mientras contemplamos frívolos devaneos sexuales, el Himno de la Alegria o fragmentos de La Internacional al tiempo que se producen algunas de las secuencias más grotescas.

Añadir por último que, según se explica en el libreto que acompaña la reciente edición en DVD, Coppola propuso a Makavejev colaborar con él en lo que por entonces era sólo un esbozo de su obra “Apocalypse Now”, tras quedar impresionado con las nuevas tendencias cinematográficas de los Balcanes y, en particular, con “Misterios del Organismo”, pero el yugoslavo se desvinculó del proyecto y se decantó por el rodaje de Sweet Movie en lugar de hacerlo con Coppola. No podemos saber si le hubiese ido mejor en su carrera de haber aceptado la oferta, o quizás mejor preguntarse qué destino habría tomado la de de Coppola… En cualquier caso, Sweet Movie va más allá de una película de bajo presupuesto gamberra y subversiva, para la que se prodigaron en improperios los intelectuales de por aquel entonces, de uno y otro signo (incluido el PC francés, que acusó a Makavejev de traidor), pues se trata de un film sumamente interesante tanto por sus influencias como por su contenido implícito, al margen de las lógicas reservas sobre los límites morales que cada cual juzgue conveniente imponerle.

Dedicado a Lapor

El hombre de Londres (A Londoni férfi) – Bela Tarr, 2007

Es curioso lo que sucede con el cine de Bela Tarr. Su particular enfoque y la magnética mirada hacia el mundo que imprime a cada una de sus películas, a cada uno de sus personajes, son más conocidos en muchos círculos como fuente de inspiración de otros cineastas que por su propio trabajo. Carlos Reygadas, Andrei Zviaguintsev, Naomi Kawase o el mismo Gus Vant Sant en su trilogía son sin duda herederos de su modo de mover la cámara, de la hipnótica lentitud en la filmación de los movimientos de sus personajes, incluso de los larguísimos planos (muchos de ellos de singular belleza) con los que se recrean algunas o todas (según de quien hablemos) sus secuencias. Sin embargo, Tarr imprime un enfoque tan personal a su cine que resulta imposible no reconocerlo cuando se ve un plano de cualquiera de sus películas. Tal vez la diferencia reside en que esta particularísima óptica va más allá de determinadas formalidades con las que otros dotan a esos personajes (de los que casi siempre se entrevén las influencias externas) logrando crear para el cine su propio mundo. Un mundo que existe (porque pre-existe en  su creador) antes y después de cada película, más allá de los propios personajes que además se desenvuelven siempre con asombrosa naturalidad. Y tal vez resida aquí una de las claves de la  maestría, esa sutil diferencia, la línea divisoria entre el cine bien resuelto y la obra maestra que subsiste al paso del tiempo, las modas o la escasa difusión que en principio pueda encontrar, incluso, entre los pretendidamente amantes de un cine menos comercial o más artístico.

El cine de Bela Tarr es enormemente literario, un mundo en blanco y negro sobre el modo de mirar la ficción que el autor crea, con movimientos de cámara laterales y verticales casi constantes, donde los actores trabajan con luz y sonido natural grabado en distintos registros, en el que la música consiste en un puñado de tonos repetitivos durante todo el metraje, y al mismo tiempo todo este conjunto no se limita a ejercer de simples efectos que enfaticen la trama sino que forman parte de ella como un todo indistinguible. Da igual que para rodar “El hombre de Londres” haya prescindido de adaptar una obra de László Krasznahorkai (como en sus anteriores películas) para en esta ocasión llevar a la pantalla una novela negra del francés Georges Simeon. O que se haya rodado en Córcega, en lugar de hacerlo como siempre en Hungría, a la que el paisaje de su cine parece indisolublemente ligado. O que sus protagonistas sean esta vez un checo (Miroslav Krobot) y la actriz inglesa Tilda Swinton, decantando muchas secuencias hacia los personajes en sí mismos, hecho que la diferencia de sus anteriores producciones. Porque del mismo modo que cuando vemos distintas películas de Tarkovsky encontramos un lugar común para su modo de entender la naturaleza, el tiempo, el arte, la violencia, el amor e incluso la fe, con el húngaro sucede que, adapte para el cine o parta de un guión original, ruede en el lugar que ruede,  hable del tema que hable, sabemos que estamos en un sólo lugar: el mundo de Bela Tarr, donde despliega plácidamente sus elementos, nunca expuestos como símbolos, sino integrados en la puesta en escena, buscando transmitir sensaciones y recuerdos, procurando recuperar la capacidad de percibir el mundo real. La escena de apertura, todas las rodadas en el bar o el último enfrentamiento en la cabaña son claros ejemplos en los que el ritmo, la atmósfera, los diálogos, las pausas, las sensaciones que produce su claustrofóbico mundo son ingredientes importantes que logran una inusual belleza y su gran poder expresivo, dotado por otra parte de extraordinaria sencillez. Es probablemente ahí donde radica su maestría, la fuerza y la trampa en la que nos atrapa en cada una de sus películas.

A Contraluz (Eduardo Chapero-Jackson, 2009)

Uno de los valores que posee el cortometraje es la libertad con la que a priori cuenta el director para elegir el tema, la estética y el modo de narrar una historia casi siempre original. La mayoría de las veces ajeno a los intereses del mercado o perfiles acomodados a líneas narrativas repetidas hasta la saciedad en el largometraje, del que se espera, en contraposición al corto, agrade a un sector más o menos amplio de público en festivales y salas comerciales, para su posterior rentabilización en DVD, medios televisivos, etc… Como consecuencia de esta independencia de Don Dinero, debida en parte al menor coste, la película corta logra captar a menudo la parte más creativa del lenguaje narrativo expresado a golpe de cámara, lo que le convierte en un producto de incuestionable valor cinematográfico que contiene la esencia de la capacidad artística y comunicativa de su autor.

A Contraluz, estrenada en salas comerciales españolas el pasado 26 de junio, es una recopilación de tres cortometrajes del director Eduardo Chapero-Jackson; quien, de momento, sólo se ha aventurado en el lenguaje del corto pero que, a pesar de ser casi desconocido por estos lares, cuenta ya con numerosos premios nacionales e internacionales. Que tres cortometrajes se estrenen en el cine de modo independiente al pase de una película o al margen de un festival es una idea a aplaudir de antemano, teniendo en cuenta la poca fe en el género de las distribuidoras y de un sector importante de nuestros académicos, y la consecuente falta de apoyo institucional y financiero con el que cuentan quienes se aventuran a empezar en esto del cine como cualquier cineasta ha comenzado siempre. Los tres trabajos que componen la película son diferentes en su temática: no se trata pues de una trilogía propiamente dicha, aunque todos están recorridos por el nexo común de la exploración del límite de la capacidad humana en una situación determinada.

CONTRACUERPO es el trabajo más experimental de los tres, con una carga importante en la utilización de potentes imágenes que narran, a modo de metáfora, una intencionada fábula sobre la anorexia. Está protagonizado por Macarena Gómez y es el primer trabajo del director. La obsesión de una chica en lograr un cuerpo idéntico al de un maniquí le lleva a una extraña relación con el objeto, que va a ser expuesto en un prestigioso escaparate de la ciudad. Premiado como Mejor Cortometraje en el Festival Latino de Los Angeles, Mejor Corto Europeo en el Festival de Brest y Mejor Ópera Prima Europea en el Festival d’Angers. También estuvo nominado a los Goya y se estrenó en Competición Oficial en el Festival de Venecia.

ALUMBRAMIENTO es quizás el más intimista, y en contraposición a lo que el título anuncia, narra como los diferentes miembros de una familia se enfrentan al final de la vida de uno de sus miembros. De soslayo, trata el tema de la eutanasia y el dilema moral de dejar morir en paz o luchar por los últimos vestigios de la vida pese a quien pese. Está protagonizado por Mariví Bilbao, quien ya ha trabajado en cortos con otros directores como Borja Cobeaga, y que aquí hace un papel excelente por el realismo que imprime a las situaciones. Además de su actuación, cabe destacar los giros inesperados del guión y el buen ritmo con el que se conduce, sobre todo en su segunda parte. Alumbramiento ha recabado más de medio centenar de galardones, algunos de la talla del Premio al Mejor Cortometraje Europeo en el Festival de Venecia, Mejor Cortometraje por la Academia Europea de Cine, Mejor Cortometraje en el Festival de Málaga, Mejor cortometraje en el concurso Version Española-SGAE y ha sido premiado en festivales internacionales como Krakovia, Puerto Rico o Dinamarca, entre otros.

THE END es el trabajo que cierra la película y en realidad no es un corto, sino un mediometraje de 30 minutos de duración. Se creó para ser exhibido en la reciente Expo del Agua de Zaragoza. Posteriormente fue presentado por la Fundación Biodiversidad en el Congreso Nacional de Medio Ambiente y en Abril participó en el 5º Foro Mundial del Agua en Estambul. Acaba de ganar el Premio Especial del Jurado en el Festival de Medina del Campo. Narra la lucha por la supervivencia de una familia cuando el país se ve envuelto en una batalla entre comunidades fruto de una terrible sequía que obliga a recurrir a sus habitantes a lo más instintivo de sí mismos. Rodado en Almería, íntegramente en inglés, los decorados huelen a western futurista y cuenta con un extenso reparto internacional encabezado por los actores británicos Samuel Roukin (Happy-Go-Lucky de Mike Leigh) y Natalie Press (Chromophobia de Marta Fiennes), la colaboración especial de Miguel Ángel Silvestre y el apoyo de la productora de Antonio Banderas.

Os dejo el enlace a la página oficial de la película, en el que además de extensa información podéis ver los tres trabajos completos. La productora, Prosopopeya Producciones, habitual en la promoción de cortometrajes, ha decidido hace unos días distribuirlos también en internet, habida cuenta del interés social de sus contenidos, además del propiamente cinematográfico, para que todo el mundo tenga acceso a ellos. La verdad es que el conjunto aborda tres temas de máximo interés pedagógico, como son la anorexia, la muerte (y la eutanasia) y el aprovechamiento y respeto a los recursos naturales. En pantalla grande sólo pueden verse en las ciudades donde hay salas comerciales UGC Cinecité (Madrid, Valencia, Valladolid y Cádiz), con quien se ha contratado la difusión.  Dos semanas después de su estreno, este interesante experimento continua en cartel (al menos en Valencia) en 8 sesiones diarias al precio reducido de 3 euros.

V.O.S. (Cesc Gay, 2009)

No es la primera vez que Cesc Gay adapta para el cine una obra de teatro (Krámpack, 2000), lo que sí es una primicia es el hecho de que se aventure en el terreno de la comedia pura y dura. V.O.S. es el remake cinematográfico de la obra de teatro homónima que en 2005 estrenaba en el Teatre Lliure de Barcelona  Carol López. Propone un juego entre cuatro personajes, dos hombres, dos mujeres, y sus miradas distintas a una misma realidad. La diferente forma en que cada uno vive sus relaciones personales, el amor y la amistad son la trama de esta historia. Una historia contada mil veces en el teatro y también en el cine, quizás por eso Cesc Gay le da la vuelta completamente a cualquier cosa que el espectador espere ver y juega, de modo más que arriesgado, a que su relato tenga la menor credibilidad posible. Como oyen: se trata precisamente de que nada parezca real, de mentirnos constantemente, de que aquello que nos parezca verosímil quede sutilmente desmontado en la escena siguiente. Asistimos como espectadores al rodaje de la creación de un novelista que escribe la obra que estamos viendo. Los personajes son ellos mismos, cuatro amigos que rompen sus parejas, una traición por amor, el miedo al compromiso. Cesc Gay manipula al espectador. Su ficción en directo logra descolocarnos de tal modo que no sabemos cuando estamos asistiendo a lo que escribe el protagonista o a la realidad de sus relaciones personales. Nada es lo que parece, cada uno podemos inventar aquello que queramos entender, porque lo que se busca es ser lo menos verosímil posible, y porque en definitiva quiso contarnos la mentira misma que implica contar una historia, borrando la frontera que separa lo que vemos de lo que en verdad sucede en la trama. Puesta en escena con carpintería a la vista, como si del plató del rodaje de una película se tratase, donde los personajes se mueven entre bambalinas a sabiendas que todo es mentira mientras nos hacen creer su historia simulando con la realidad. Los cuatro actores, Vicenta Ngondo, Ágata Roca, Paul Berrondo y Andrés Herrera son los mismos que protagonizaron la obra de teatro, y aunque partían de un guión que la adptaba al cine, han participado en la transformación del resultado con su aportación, basada en el conocimiento de la obra, y con sus improvisaciones. El resultado es un film tremendamente original, repleto de excelentes diálogos llenos de inteligente ironía, juegos elípticos sobre lo cotidiano y humor, mucho humor, por momentos cruel, otras veces ácidamente romántico, que hacen que su encanto resida en cómo se cuenta más que en lo que propiamente pretende narrarnos. 

Mereció la pena verla, cuesta levantarse de la butaca cuando la escena del principio vuelve a aparecer en la pantalla presagiando el final inmediato. Sólo 86 minutos, que además pasaron volando. Queda la grata sensación de que la comedia española actual no está limitada a los  esperpentos estrenados ultimamente en las salas. Que tenemos directores capaces de contar una historia entretenida e inteligente sin tener que recurrir a los consabidos diálogos tan tórridos como toscos  tan de moda en estos tiempos para con las comedias patrias, que parece no se conciben sin sexo adolescente en primer plano o fluidos varios derivándose por la pantalla. Tal vez V.O.S. no es un film perfecto, siquiera de los mejores de Cesc Gay; lo que no se puede negar es que, además de arriesgado, por su puesta en escena y por su intencionada falta de credibilidad, estamos ante uno de los cineastas más interesantes e imaginativos con los que cuenta en la actualidad nuestra cantera cinematográfica y hace pensar, y mucho, sobre el apoyo institucional y el destino del presupuesto público para la proyección mediática de supuestos éxitos taquilleros carentes de interés artístico,  por los que se apuesta incondicionalmente a riesgo de socavar las perspectivas de futuro de nuestro cine, al menos a corto plazo.

Tetro (Francis Ford Coppola, 2009)

Coppola estrena la que quizás sea, a sus 70 años, la película más personal que ha logrado escribir, producir y rodar: una epopeya en blanco y negro sobre conflictos familiares ambientada en La Boca de Buenos Aires. Los conocedores del cine de Coppola reconocerán en ella algunos de los temas que ya vimos en The Rain People, La Conversación o El Padrino, aunque los asesinatos y venganzas hayan sido convenientemente sustituidos por la violencia psicológica y una mayor interiorización de los personajes. Coppola dice que no es autobiográfica, pero hay mucho terreno personal expuesto en la película, deliberadamente simbólica, no sólo por el tipo de familia que refiere (el padre de Coppola también era músico y director de orquesta), sino por la arriesgada aventura de un guión original después de muchos años de carrera adaptando textos escritos por otros. Tetro es un film enormemente teatral, del mismo modo que en el teatro fueron los comienzos del cineasta, quien nos zambulle en una extraña combinación de tragedia shakesperiana y drama freudiano: el eterno y contradictorio diálogo sobre el amor y la rivalidad entre dos hermanos subyugados a la figura de un opresivo y tiránico padre. Los vínculos que les unen son, en cambio, los del talento artístico inherente a la familia.

Vincent Gallo es Tetro, un escritor frustrado que representa los valores del artista solitario y romántico: la esencial necesidad de crear, el permanente sentimiento de exclusión de la sociedad, una personalidad caótica y desordenada o la imposibilidad de separar con claridad su vida personal de su obra artística. En cierto modo, Tetro sería algo así como un alter ego del propio autor, un autorretrato barroco al que incorpora los aspectos estéticos y temáticos que le interesan y que emergen aquí cargados de alegorías, referencias y homenajes al cine y a su propio cine, a la música y a la literatura. Y del mismo modo que en Juventud sin Juventud, film que también escribió, la película cuenta con la rendida sensibilidad e inocencia del un joven actor, Alden Ehrenreich en el papel de Bennie, al encuentro del hermano desaparecido. Y con una entregada amante, Miranda, interpretada por la soberbia y muy bien dirigida Maribel Verdú, a la que exprime y de la que obtiene una de las mejores interpretaciones que hasta la fecha he podido ver. Hasta Carmen Maura, en un papel acribillado por la crítica para mí injustamente, porque siendo cierto que el personaje de Alone no se presta a demasiados agradecimientos, la Maura y sus poderes bordan lo que no es sino un tirón de orejas a la pamplina del mundo festivalero, aunque en la película la referencia explícita sea al teatro.

Planos fijos de una plasticidad asombrosa y estudiada iluminación envuelven cada encuentro entre los tres personajes principales; teatro, música, danza, incluso ópera intercalan la acción a modo de flashbacks y sueños saturados de color (en clara contraposición al blanco y negro base del film) simbolizando los deseos, los miedos, las frustraciones, lo onírico, los viejos recuerdos no reconciliados. Trazos que mezclan géneros cinematográficos y artísticos, diálogos que nos conducen a evocar sus primeras películas, recortes que recuerdan a Fellini, Chinatown, Malle, Rosellini e incluso Almodovar magnifican los momentos más trágicos del relato, los celos, venganzas, traiciones y desengaños mil veces contados en el cine, pero que nadie se engañe: la trama tiene un interés narrativo, pero ese interés es limitado, porque lo que cuenta no agota la sustancia del film, que reside en cómo está narrado, puro cine, cuya complejidad requiere, probablemente, de más de un visionado. Por eso, ante una obra de tamaña envergadura, calificarla de manida o previsible es una solemne tontería, porque a Coppola no le importa demasiado, ya lo sabe de antemano. El cine y sus posibilidades narrativas, las imágenes que nos llevan por sí solas (a quienes se dejen llevar) al alma misma de los personajes, la música, envolvente, sincronizada, la fotografía, la iluminación y cierto esteticismo, son las armas con las que cuenta Coppola para convertir en una obra de arte lo que en manos de otros no habría pasado de un culebrón de sobremesa. Pero Coppola es Coppola,  por algo le avalan 5 Premios Oscar, 4 Globos de Oro, 2 Palmas en Cannes… Mirada en perspectiva hacia los puertos a los que ha ido llegando su carrera. También se puede leer cierto juicio crítico sobre qué es y como es hoy el mundo del cine, del arte en general, de sus intereses, de hacia dónde se dirige. Quizás sea la película que siempre quiso hacer y nunca hasta ahora encontró la ocasión (o el dinero) para rodar. Lo que es seguro es que todo Coppola, creador y maestro, está aquí, haciendo lo que le da la gana, sin que nadie le haya dicho qué resultado y que números en la taquilla espera obtener. Y claro, unos lo tomamos y otros  lo dejan, sin más vueltas.

Nanking! Nanking! (Lu Chuan, 2008)

Nanking! Nanking! es un film que recrea los acontecimientos sucedidos en 1937 en esta ciudad, la por entonces capital china, asediada y devastada en el marco de la Segunda Guerra Chino Japonesa. Una masacre brutal a cargo del Ejército Imperial nipón (aliado de Alemania) en la que murieron cerca de 300.000 personas en sólo unas semanas, de la que no escaparon ni militares ni civiles, niños o mayores, hombres o mujeres, constituyendo uno de los episodios más dantescos de la Historia Contemporánea. Narrada en blanco y negro, a base de secuencias largas y sin apenas música, la película está propuesta a modo coral siguiendo la suerte de diversos personajes que encauzan la trama. A partir de un soldado chino que intenta organizar una resistencia mínima al cerco japonés, Lu Chuan nos muestra en confrontación las situaciones y el papel jugado por los distintos personajes, desde el chino colaboracionista capaz de cualquier cosa por la seguridad de su familia, el oficial japonés Kadokawa (al mando de la intervención), el papel de la mujer en la resistencia (pocas veces abordado en una película oriental), o la maestra u otros residentes de la zona de seguridad protegida por John Rabe, un personaje real  recientemente recreado en la película alemana homónima de 2009, que se presentó este año en el Festival de Berlín, miembro del partido nazi y al que se le atribuye la salvaguardia de la vida de más de 200.000 chinos; aunque en Nanking! Nanking!, lejos de representarlo como el “Oscar Schindler de China”, se le retrata como un hombrecillo pusilánime, incapaz de mediar en el conflicto, que acaba aceptando marcharse a fin de proteger su propia vida.

La película comienza con la entrada del ejército japonés en la ciudad,  dispuesto a eliminar cualquier vestigio de resistencia y matar a todos los soldados chinos que hallen en el camino. Posteriormente, asistimos al racionamiento de los recursos y la implantación del terror entre los habitantes. Las escenas son brutales, desgarradoras, crueles… sin embargo, las imágenes poseen una belleza visual tan extraordinaria que invitan, por sí solas, a continuar viendo la película, desmarcándose de cualquier producción occidental al uso, a pesar del horror sobre el comportamiento humano mostrado in crescendo a medida que pasan los minutos. Además, aún habiendo momentos en los que da la sensación de falta de hilo conductor entre las diferentes historias que narra, a riesgo de convertirse en un mero recreo de crueldades, la película logra aunarlas  y mantener el interés, probablemente porque el director no cae en el recurso fácil de satanizar por completo al invasor y elevar la víctima a la categoría de héroe, recurso del que ha abusado más de un film bélico hollywoodense, incluso europeo, logrando la sensación de que los hechos están tratados con la objetividad suficiente de esa verdad, muchas veces incómoda, que  a ninguna de las partes termina de satisfacer.

Lo cierto es que se trata de una superproducción de China Film Group, Stella Megamedia, Hong Kong’s Media Asia y Jiangsu Broadcasting que ha contado con un holgado presupuesto de 12 millones de dólares,  estrenada  en las salas chinas el pasado mes de abril, que ha sido un éxito de taquilla y que habrá pasado convenientemente los filtros de la censura de un gobierno que no es seguramente el más indicado ni disfruta de autoridad moral para mostrar masacres de autoría ajena (por más reales que sean y pese a las víctimas, siempre inocentes) sin haber hecho jamás atisbo autocrítico alguno de unas cuantas con las que carga a sus espaldas. Pero también es cierto que Lu Chuan ha abierto con la película un debate social en China sobre esta y otras realidades históricas, que ha recibido amenazas de los sectores más conservadores de su país que le acusan de simpatizar con los japoneses, y de estos últimos que le tachan de exagerar convenientemente los sucesos. A mí, personalmente, al margen de una polémica en la que no quiero entrar, pues no creo poseer los suficientes conocimientos sobre los hechos para juzgarla, me gustó mucho y me parece altamente recomendable, por su enorme factura técnica y porque se trata de una magnífica película de guerra que se aleja de la narración habitual de un film de acción y también del melodrama de tantos otros sobre genocidios, relatando con acierto y objetividad unos hechos desde la perspectiva de lo terrorífico del comportamiento humano cuando goza del poder absoluto para decidir entre la vida y la muerte de las personas que estaban ahí porque la vida y la Historia quisieron caprichosamente colocarles.

Artículos recomendados sobre esta película:

• Nanking Nanking, en Chowfanblog
• City of Life and Death (Nanking Nanking), en Espejo de Assuwa,  Parte I y Parte II

El Arte de Volar (Antonio Altarriba/Kim)

Mi primer contacto con este libro fue a mediados de mes, en una librería próxima a donde trabajo, y me llamó la atención por su portada y por el creador de las viñetas, Kim (Martínez el facha, única tira que se publica en El Jueves desde su inicio), ya que del autor del guión, Antonio Altarriba, no conocía prácticamente nada.  Se trataba de una primera edición, limitada a mil ejemplares, que en principio se me antojó excesivamente cara para adquirirla así, sin tener demasiada idea de qué iba aquello. Como disponía de algo de tiempo, comencé a leer allí mismo. Llegué del tirón hasta la página 39, momento en que reparé en la empleada de la tienda, observándome con ánimo de encontrar el modo de llamarme la atención, dado que llevaba algo más de media hora absorta en la lectura. ¿Le puedo ayudar en algo?, preguntó con cierto tono agresivo y cara de pez al notar que me había percatado de su presencia. No se preocupe, ya me he decidido. Y el libro se vino conmigo en dirección a la caja.

Lo cierto es que el relato engancha desde la primera viñeta, tanto por el dibujo como por el texto, ambos magníficos. Antonio Altarriba narra de modo biográfico, basándose en las notas que durante años había escrito su padre, y añadiendo algunos elementos de ficción, la vida de su progenitor, que no es sino un recorrido personal por prácticamente el último siglo de la Historia de España.

“La política se apoderaba de todo y la vida se nos hacía Historia… Y la Historia hace más difícil la vida…”

Relatado en primera persona, a modo de memoria, elaborado desde el punto de vista de un hombre cuya existencia estuvo marcada por el fracaso y la frustración, a nivel personal y también en cuanto al anhelo de construir un mundo más justo, como tantos otros alguna vez soñaron, ataviados en la lucha con las alas de la confianza y el empeño, mientras la Historia les daba constantemente la espalda.

“Había una gran ebullición ideológica y todos hervíamos en la salsa agridulce de la penuria y la ilusión…”

El punto de partida es un hecho real, el suicidio de Antonio Altarriba padre, que se lanzó al vacio desde un cuarto piso de la residencia geriátrica en la que vivía voluntariamente, para poder -dijo- al fin volar libre. A partir de su muerte, Antonio Altarriba -hijo- elabora la crónica de toda una generación de españoles, relatada a través de las circunstancias y los sentimientos de su padre, quien a pesar de tratar de dirigir su destino se vio siempre arrastrado por los acontecimientos que la Historia de su país le mandó vivir.

“Supe que la guerra iba a ser larga y cruel, porque las guerras en las que interviene Dios siempre lo son…”

El padre de Altarriba, un desterrado al igual que tantos otros perdedores de la guerra, fugitivos, exiliados, prisioneros en campos como el de Arlés en la Francia del Pacto de No Intervención unos meses antes de estallar la Segunda Guerra Mundial, luchará en la resistencia francesa, regresará a la España vencida para sumirse en el multitudinario exilio interior de los miles de españoles que se quedaron, vivirá la pactada caída del régimen cuarenta años después, la restauración monárquica, la nueva democracia, sin encontrar nunca el horizonte del otro mundo por el que siempre continuó luchando. El relato, muy bien documentado, es intenso a la hora de retratar la condición humana; pero también respetuoso y sincero, y trata quizá de buscar los motivos o la coherencia a muchas de las decisiones del padre, sin entrar a juzgarlas, pero en las que a modo de espejo se representa un despiadado dibujo del siglo XX español que sin duda alguna conforma la sociedad no demasiado estable en la que vivimos actualmente y, quien sabe, si todavía tendrá algo a añadir a nuestro futuro.

Mención aparte merece Kim, artista grafico de esta historia, porque es simplemente espléndido, no se le puede otorgar un calificativo menor. Con trazo sencillo y sin demasiadas florituras, el dibujo es enormemente expresivo, revelador, capaz de mostrar desde las situaciones más trágicas a los sentimientos más profundos con asombrosa simplicidad, pero desbordante de la sensibilidad que caracteriza a los grandes de la historieta, dejando patente página a página su dominio absoluto de la expresividad para con la figura humana, aunando con maestría las situaciones más trágicas con un más que hábil sentido del humor. El conjunto, argumental y gráfico, dan como resultado un relato conmovedor y complejo, que eleva sin duda el nivel del cómic español y hace de esta una obra imprescindible, no sólo para los que gustan de la historieta o la novela gráfica, sino para cualquier amante de la cultura. Agotada en muchos sitios esta primera edición limitada y numerada, Ediciones Ponent ya ha sacado al mercado una segunda en formato más pequeño y económico. Yo estoy más que satisfecha de poseer el número 428 de la primera tirada, y convencida de que en lo sucesivo se hablará, y mucho, de este recomendable trabajo, porque es una joya comparable si quieren al “Maus” de Art Spiegelman, al que en mi opinión nada ha de envidiarle. Al tiempo…

This Way Up (Adam Foulkes y Alan Smith, 2008)

This Way Up es un fantástico corto animado creado por los publicistas británicos Adam Foulkes y Alan Smith para el Sundance Film Festival. El corto gustó tanto que fue uno de los nominados a los Oscar del 2009, aunque finalmente no consiguió hacerse con la estatuilla.

Con un humor negrísimo y muy británico, narra las peripecias en las que se ven envueltos dos enterradores para dar digna sepultura a una clienta, construido a modo de repertorio de gags, a cual más macabro, y extrañas cadenas de peligros, incluyendo un épico viaje de ida y vuelta al infierno. Su tono oscuro y surrealista quizá fuese una desventaja a la hora de optar al premio, pero después de haber visto los que fueron nominados, a mí es el que más gusta, con diferencia.

Adam Foulkes y Alan Smith no cuentan todavía con demasiado currículum a sus espaldas; pero seguro que, de seguir así, en adelante se oirá hablar de ellos. Foulkes, guionista y codirector, sólo había trabajado hasta la fecha en el mundo de la publicidad. Smith, quien sólo dirige, sí cuenta con alguna experiencia, sobre todo en la televisión británica, pues participó en algunos capítulos de la serie de animación “Monkey Dust” en 2003 y ha hecho algunos pinitos en el cine, teniendo a su cargo secuencias animada de la película “Una serie de catastróficas desdichas” (suyo es el pequeño elfo) y algunos títulos de crédito para diversos films juveniles.

La Caja de Pandora (Yesim Ustaoglu, 2008)

La caja de Pandora, quinto film de la cineasta turca Yesim Ustaoglu, galardonado con la Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián, destapa la caja de los truenos cuando la vida de tres hermanos que ya no cumplen los cuarenta se ve momentáneamente alterada por la desaparición de su anciana madre, enferma de alzhéimer, y tienen que partir en su búsqueda hacia su pueblo natal, en la costa montañosa del Mar Negro. Un viaje físico donde se destaparán viejas rencillas, diferencias en cuanto a modos de abordar el presente o el futuro, incluso el pasado; una prueba de la vida en la que deseos, miedos y frustraciones saldrán necesariamente a la luz cuando, por fuerza, la nueva situación hace necesario aunar esfuerzos y relajar diferencias para lograr salir airosos adelante. Pero también es un viaje hacia el interior de las relaciones humanas, hacia como se afronta la incómoda realidad de la vejez, la enfermedad, los prejuicios acompañantes y, en definitiva, la soledad que acarrea casi siempre la cara b de la vida, esa parte menos grata que de vez en cuando a casi todos, de un modo u otro, nos toca afrontar.

Relato contundente, radiografía dura y demoledora que no incurre en el melodrama lacrimógeno, hecha con ritmo pausado pero con suficiente sensibilidad, logra adentrarse en cada uno de los personajes y transmitir de forma más que correcta sus contradicciones y sus sentimientos. Y al tiempo que lo hace, nos ofrece un buen retrato de algún que otro asunto latente en la sociedad contemporánea, de la hipocresía, insolidaridad e individualismo frente a los débiles o enfermos cuando ya no cumplen un papel social activo, de los grandes contrastes todavía existentes entre el medio urbano industrializado y el rural y, como no, de la relaciones generacionales siempre conflictivas que, en este caso, se resuelven mediante un extraña pero positiva sintonía entre la abuela, excelentemente interpretada por la francesa Tsila Chelton, papel que le valió la Concha de Plata a la Mejor Actriz, y el nieto, un adolescente que todavía no ha encontrado su rumbo, a cargo del joven actor Onur Unsal , con una interpretación menos brillante, aunque aceptable.

Hasta aquí los aspectos más interesantes y destacables, porque la película  fracasa a la hora de abordar los temas con pulso y  ritmo narrativo suficientes. No se trata de que sea excesivamente dilatada, que lo es, ni de que abunden o no los largos silencios; el cine está lleno de ejemplos con construcciones en la que solo intervienen determinadas miradas o gestos cargados de contenido y significado, y se pueden construir magníficas secuencias basadas únicamente en  imágenes,  precisamente el mejor arma del lenguaje del cine. Lo que sucede es que la película insiste machaconamente durante casi dos horas en la misma idea, a base de hacer pasar a la abuela por la casa de los tres hermanos y posteriormente regresándola al pueblo con el nieto, para decir una y otra vez lo mismo, sin avanzar hacia ninguna parte. Y lo que durante la primera media hora resulta interesante, decae en la segunda; hacia mitad del film miradas al reloj y cambios de postura en la butaca porque no se nos ha contado absolutamente nada desde hace demasiado tiempo y no se ha ofrecido otra cosa que reiterarse en los aspectos más grises de la realidad humana. Y la sensación que queda es la de haber asistido a una buena radiografía de personajes, tal vez demasiado apagados, intrincados, ásperos, y a un retrato de la vejez que no por su obstinada sensibilidad deja de caer en el exceso enfático sobre un mundo observado desde cierta óptica exageradamente triste  y  amarga.

El Inadaptado, de Jens Lien (2006)

“Den Brysomme Mannen” es el título original de este film del cineasta noruego Jens Lien; película que describe la soledad en un mundo ideal, aparentemente equipado con todo lo deseable, y que no es sino una magnífica sátira sobre la fantasía consumista de la sociedad del primer mundo. Imaginad por un momento un mundo donde los problemas cotidianos han sido eliminados, las relaciones entre las personas son sencillas, sin sobresaltos, esforzadamente armónicas, el trabajo está garantizado, los jefes se muestran siempre solícitos y agradables, las ciudades están cuidadas, no hay demasiado ruido y nada resulta molesto ni exasperante, las calles están eternamente limpias, todo ha sido construido a la medida para que simplemente podamos disfrutarlo cuando queramos y hasta la pobreza ha sido erradicada. Andreas (Trond Fausa Aurvag) llega a esta ciudad modelo, que parece directamente sacada de un catálogo de IKEA, sin saber cómo ni porqué, un lugar donde todo está hecho a la medida para él: un puesto de trabajo, una vivienda, una esposa que le quiere y a su disposición toda clase de entretenimiento prefabricado a la espera para su disfrute. Sin embargo, el precio es alto. Debajo de esa perfección y fachada de continuas y forzadas sonrisas, las personas parecen no tener emociones, se comunican a través de una cortesía artificial y sus relaciones se antojan puro plástico. Escapar, atraído por el olor que ya no existe de un plato de comida caliente o una simple melodía lejana que martiriza su recuerdo, pasará a convertirse en una necesidad. La otra alternativa no es sino el suicidio…Brillante y muy entretenida fábula que se pregunta sobre la naturaleza de nuestra cultura posindustrial, consumista, obsesionada con la belleza mediática y las apariencias. Las actuaciones son exageradamente teatrales, con personajes definidos desde un principio que asumen un rol posmoderno en su máxima expresión. La iluminación es fría, los colores grises y azulados, poco saturados, logran el efecto de estar filmada dentro de un congelador. El aspecto visual de la película y su factura técnica es lo más logrado, con encuadres casi perfectos y una fotografía realmente extraordinaria. Y la música acompaña el tono de la película dándole el tinte pretendido de experiencia surrealista a vez que horrorosa.

Sin ser una historia demasiado original, la película transmite un constante fluir de ideas sobre nuestro presente, hacia dónde vamos en un mundo tendente cada vez más a lo aséptico y también sobre los deseos de las personas en el contexto en que vivimos. Un film alegórico que, sin embargo, huye de maniqueísmos y no pretende ser instructivo o revelador de otro tipo de sociedad, quedando sólo en una sátira a modo de comedia negra acerca de eso que durante mucho tiempo se nos ha vendido como pretendido bienestar. En este sentido, tiene cierto aire metafórico que recuerda mucho a “Brazil” de Gilliam, aunque comparte las referencias al cine con algunas ideas evocadoras a Milton o Kafka, junto a cierto aire fílmico mezcla entre Tarkovsky (Stalker), en el aspecto dramático, y la soledad del hombre al modo que lo hiciera Jacques Tatí en su faceta de comedia, con aquellos personajes que nos hablaban sobre los sencillos placeres humanos, el deseo de escapar de lo cotidiano y su lúdico afecto por la naturaleza humana.

Network, un mundo impecable. Sidney Lumet

Hace escasas semanas podíamos presenciar el apuñalamiento en directo de un muchacho por parte de un ultra mientras comíamos viendo el telediario. Lo había grabado una cámara de seguridad y se pasaba por La 1, televisión que pagamos con nuestro impuestos, pero también se hacían eco otros canales privados, paradójicamente alguna cadena que presume de no ser sensacionalista como La 4, o algún periódico más o menos serio y con alardes progresistas como es El País en su edición digital. Pero ya de estas cosas ni nos asombramos, nos tienen tan habituados los telepredicadores a la barbarie informativa, que el público nos hemos vuelto casi inmunes. Pensándolo bien, no deja de ser triste, pero este es el mundo en el que vivimos, guste o no, quizás por ello tendemos cada vez más a encerrarnos en nuestra propia parcela existencial y ocuparnos en menor medida de los asuntos colectivos que en definitiva nos atañen a todos. Y lo peor, quizás ello haga que las generaciones futuras sean más impermeables a la manipulación informativa, pero al mismo tiempo mucho menos sensibles a lo cotidiano siempre que puedan cerrar la puerta de su parcela hipotecada a los sentimientos ajenos. Casualmente anduve revisando Network, una película que cada vez que veo descubro facetas nuevas, no sólo por lo que atañe a su contenido, también a sus formas y a su factura, y cada vez se me antoja más perfecta. ¡Salid todos y gritad por las ventanas lo jodidos que estáis! bramaba aquel presentador de televisión que levantaba la audiencia hasta que se cansaron de él, bajaron los índices y le propusieron el despido. Claro que, un propagandista de tamaña envergadura no se iba a conformar con el finiquito y la jubilación anticipada. Así que nuestro profeta, loco de las ondas, Beal (Peter Finch), impermeable empapado y gomina hasta las cejas, se harta. Preso de una crisis nerviosa, mientras se emborracha con su jefe bromea con suicidarse, pide se le de la oportunidad de despedirse en antena: “Me he quedado sin tonterías que decir” y anuncia su suicidio en directo.

Pero en realidad nuestro teleapóstol no es sino un personaje secundario, porque el auténtico protagonismo se centra en Diana Christensen (Faye Dunaway), ejecutiva del canal de televisión, mujer voraz, hambrienta de índices de audiencia que hará lo que sea, lo que sea, para mejorarlos y trepar en la cadena; sin dudar, si es necesario, en convertirse en amante de Max Schumacher (sensacional William Holden) para lograr aquello en lo que se empeña. Increíbles escenas donde sus labios se humedecen cada vez que piensa en los índices y sus ojos brillan cuando intuye cómo aumentarlos. En la cama, discute sobre la audiencia mientras se acuesta con su jefe y llega al orgasmo al tiempo que jadea algo sobre su programa “La hora de Mao Tse-tung”

“¡Y usted se ha entrometido con las fuerzas primitivas de la naturaleza! ¡Y usted debe repararlo! ¿Me entiende usted señor Beale? Usted aparece en su pequeña pantalla de 21 pulgadas y grita sobre América y la Democracia. No existe América, no existe la democracia, sólo existe la IBM, la ITT, la AT&T, y DuPont, Dow Unión Carbide y Exxon. Esas son las naciones del mundo de hoy día.”

Sátira extravagante, drama tenso y comedia visionaria convergen todos en uno en Network para mostrarnos el mundo real, la manipulación de las masas y también el desprecio con el que se llega a tratar a los profesionales de la comunicación cuando dejan de ser útiles o no están dispuestos a seguir la voz de su amo. A nadie le importa lo que se diga en televisión mientras no se amenacen los beneficios, la libertad de prensa y de información no es sino papel mojado frente a las inmorales maneras que existen para luchar por unos cuantos puntos de rating.

Cualquiera que lea esto y no sepa nada de este film podría pensar que se trata de la última escapada del cine indi, pero no, la película se rodó en 1976, cuando el auge del medio televisivo se pensaba pondría en seria amenaza los intereses económicos del mundo del cine para el dorado Hollywood. Y ganó cuatro Oscars, aunque estaba nominada a 10, con bastante probabilidad gracias en parte al mensaje contra el medio que representaba, aunque a mí me parecen sobradamente merecidos, sobre todo el otorgado al mejor guión y a Peter Finch, quien no pudo disfrutarlo pues falleció poco antes del reconocimiento. Una película que convendría que todo el mundo viese o revisase, caso de haberla visto, por su mensaje que hoy día resulta completamente vigente (aunque las situaciones y decorados obviamente nos remitan a los 70) y también porque pone de manifiesto la capacidad de Lumet para moverse en terrenos muy distintos dentro de una misma película; asunto nada fácil este y que seguramente, en manos de cualquier director menos eficiente, hubiese hecho del film un amasijo insalvable, pero que bajo la dirección de Lumet se convierte en un todo perfectamente equilibrado a la altura de otras cuantas obras maestras con las que cuenta en su haber.

The thrill is gone…

The thrill is gone away
The thrill is gone baby
The thrill is gone away
You know you done me wrong baby
And you’ll be sorry someday

The thrill is gone
It’s gone away from me
The thrill is gone baby
The thrill is gone away from me
Although I’ll still live on
But so lonely I’ll be

The thrill is gone
It’s gone away for good
Oh, the thrill is gone baby
Baby its gone away for good
Someday I know I’ll be over it all baby
Just like I know a man should

Dicen, y es una enorme verdad, que nadie muere mientras no muera la última persona que le recuerda

Casi seis años y, aún a ratos, ya ves…

Remordimiento (Broken Lullaby), de Ernst Lubitsch (1932)

“Cuando miles de hijos ajenos fueron asesinados lo llamamos victoria y lo celebramos con cerveza.

Y cuando miles de hijos nuestros fueron asesinados ellos lo llamaron victoria y lo celebraron con vino. ¡Padres brindando por la muerte de hijos! Mi corazón ya no está con ustedes, ancianos. Mi corazón está con los jóvenes, muertos y vivos, de todas partes, de cualquier parte.

Delante de este hotel vi pasar a mi hijo desfilando. Iba camino de la muerte. Y yo aplaudía…”

El nombre de Ernst Lubitsch es recordado sobre todo por un par de sus trabajos más tardíos: Ninotchka, de 1939 y To be or not to be, de 1942. Sin embargo, su extensa filmografía y sus aportaciones a los inicios del cine sonoro, sobre todo por lo que a la comedia se refiere, son imprescindibles para entender el cine moderno. Lubitsch nació en 1892 en Berlín y a los 15 años ya trabajaba en el teatro. Después hizo de actor en diversas películas mudas y empezó a dirigir en 1915. Su obra más importante del período alemán es Madame DuBarry (1919), que le valió la reputación tanto a él como a la actriz protagonista, Pola Negrín, en los EEUU. En 1923 se trasladó a Hollywood, donde rápidamente cosecharía éxitos. Allí hizo quizás su mejor película muda; una adaptación de la obra de Oscar Wilde, El abanico de Lady Windermere (1925), que según algunos críticos mejoró sustancialmente la original. A final de la década de los 20 y principios de los 30, fue uno de los principales directores de la Paramount, estudio que dirigió, además, durante un año. En la Paramount asumió el advenimiento del sonido en el cine con reconocidas comedias como Un ladrón en la alcoba, Una mujer para dos, El bazar de las sorpresas, Ninotchka con Greta Garbo y, finalmente, Ser o no ser, con Carole Lombard y Jack Benny, una comedia que apuntaba explícitamente contra Hitler.

Sin embargo, a pesar de que su género habitual es la comedia romántica, casi nunca exenta del mensaje contra la guerra, en 1932 se salió de esta tónica general para hacer una rara incursión en el drama creando Remordimiento (Broken lullaby o The man I killed). Una película en la que también incluye una enamorada pareja, pero esta vez va a actuar como bisagra de la ansiedad de una sociedad hostil, dividida por la estupidez de la guerra, en la que un soldado francés, recién acabada la Primera Guerra Mundial, inicia una relación sentimental con la novia de un soldado alemán (Nancy Carroll) al que mató en el frente.

Paul Renaud (Phillips Holmes) es un soldado francés profundamente dolido por haber asesinado a un joven alemán en la trinchera. Junto al cadáver, una carta dirigida a su novia. Torturado por la culpa, busca consuelo en la iglesia, pero al no hallar ni esto ni las respuestas que necesita, decide visitar a la familia en Alemania en busca del perdón. La película está repleta de escenas impagables: Lubitsch es un auténtico maestro de la cámara, que sabe aprovechar cada escena para, además de ponerla al completo servicio del argumento, representar mediante un fondo, un gesto o una mirada fugaz, un conjunto de conceptos mucho más allá de lo que simplemente estamos oyendo o viendo. Es difícil, por tanto, seleccionar las mejores, porque la película dura sólo 70 minutos y no hay lugar para el desperdicio en ningún rincón se mire por donde se mire. Pero la secuencia de la iglesia, con el cura hablando mientras los soldados rezan y se ven sus bayonetas ordenadas rozando el suelo, ruido de sables tras el confesionario; o la confesión del francés, que no es sino un claro discurso sobre la doble moral de la iglesia, o la escena de las madres en el cementerio (Louise Cartell, Emma Dunn) conversando aparentemente de recetas de cocina cuando en realidad están dejando patente su sufrimiento, como el de toda la población, alemana o francesa ajena a los intereses de quienes provocan el enfrentamiento; todas y cada una de las expresiones de la madre y el padre del soldado fallecido; o las palabras del médico (Lionel Barrymore) en la taberna, no más de dos minutos, pero quizás el mejor alegato antibelicista jamás oído en el cine:

Desconozco las razones por las que “Remordimeinto” es la película olvidada de Lubitsch, que siquiera existe en DVD en EEUU, sólo hay una edición que salió a la venta en noviembre de 2007 para la zona europea (no se puede ver en América del Norte) con subtítulos en castellano. Esta suerte hemos tenido por aquí, así que no dejéis de verla si tenéis oportunidad porque es una auténtica maravilla, de una envergadura artística e intelectual como pocas películas, que la elevan a mi modo de ver a la categoría de auténtica obra maestra. Y, a pesar de ser un drama, no está exenta del famoso “toque Lubitsch“, término que se usa con asiduidad para sus comedias (aunque nadie lo ha definido todavía, quizás porque se le ocurrió a un publicista, no a un crítico). Lubitsch dota a todos sus personajes de ese algo que las hace especiales, que logra se note quien es su autor, tal vez porque poseen cierta carga de dramática que sabe resaltar sin hacerlo demasiado evidente, pero queda ahí, traspasando a los propios protagonistas y lo que está contando. Remordimiento, a pesar de prestarse a ello, escurre el drama fácil y lacrimógeno, los personajes asumen cierto aire cómico, entrañable, como si la vida se riese de ellos constantemente y, aún a costa de su dolor, decidiesen cínicos y refinados seguir adelante. Tal vez tenga esto algo que ver con el toque Lutisch, o no, en cualquier caso, la siguiente escena es un ejemplo de cómo este genio transforma el material cinematográfico con ese estilo tan personal, tan propio y tan genial que hace de su cine una experiencia inolvidable.

Fridge, de Peter Mullan (1995)

Como durante los próximos días no voy a poder actualizar el blog en la medida que me gustaría, por razones laborales, he subido (añadiendo subtítulos) este perturbador y conmovedor cortometraje escrito y dirigido por el británico Peter Mullan en 1955. “Fridge” se desarrolla en Londres, en un sórdido conjunto de edificios de un barrio marginal del extrarradio. Un niño se esconde dentro de un frigorífico abandonado que accidentalmente queda atascado, y una pareja -Gary Lewis (Billy Elliot, Gangs of New York) y Vicky Mansson- intentarán ayudarle. A partir de aquí, Peter Mullan desarrolla un drama psicológico que recuerda mucho el estilo de Elia Kazan tanto en el tratamiento de la imagen como en lo que al retrato perfecto de las clases sociales más abandonadas se refiere. Esta pequeña fábula, rodada en blanco y negro con magistral realismo, nos sumerge hábilmente en el corazón del odio y la miseria cotidiana que no solo pertenece a los suburbios y que, desafortunadamente, es cada vez menos infrecuente en las grandes ciudades.

El primer contacto con el mundo del cine de Peter Mullan fue como actor con el film “Riff-Raff“· de Ken Loach, al que le siguieron Braveheart y Trainspotting. Antes del reconocimiento en Venecia con el polémico trabajo de guión y dirección “Las hermanas de la Magdalena“, galardonada con el Leon de Oro y la contundente condena del Vaticano, había debutado dirigiendo la elogiada “Orphans“, película que recomiendo sin duda alguna y de la que tengo pendiente hablar algún día aquí, que le valió cuatro premios menores en el Festival de Venecia en 1998.

“Fridge” (El Frigorífico) se incluyó en el trabajo recopilatorio “Cinema 16“, homenaje al arte del cortometraje que incluye 16 cortos seleccionados entre algunos de los mejores y más galardonados de Von Trier, Moretti, Godard, Kieslowsky, Leconte, Svankmajer o Moodysson, entre otros. Hasta tres horas y media de los fascinantes primeros trabajos de algunos de los mejores directores europeos actuales, imprescindible para cualquier amante del séptimo arte, del que ya publiqué en este blog el título “Talk” de Lukas Moodysson, y del que os dejo ahora esta segunda entrega. A disfrutarla!

Mickybo and me (Terry Loane, 2005)

Belfast, verano de 1970. Micky Boyle (John Joe McNeill), inquieto, vitalista e imaginativo, es el más pequeño de una numerosa familia católica. Su mejor amigo, Johnjo (Niall Wright), el único hijo de una protestante que vive al otro lado del puente, cuyos padres se encuentran inmersos en plena desintegración matrimonial. Las bombas detonan a ambos lados de la ciudad y un puente separa los dos bandos del conflicto. La situación política del país es algo más que un mero telón de fondo para narrar lo difícil que es crecer en Irlanda del Norte. Los chicos son amigos, pasan juntos gran parte de su tiempo libre, protegiéndose del acoso de bandas juveniles o simplemente jugando, imaginando aventuras que les lleven a escapar de un medio y un tiempo que no terminan de aceptar. Una noche se cuelan en un cine donde se proyecta “Dos hombres y un destino“. Fascinados por Robert Redford y Paul Newman, pretenden vivirla al máximo, trasladándola a su día a día cual Butch Cassidy y Sundance Kid.

Y deciden iniciar su viaje a tierras australianas, imitando el tipo de vida de rebeldes renegados de sus héroes favoritos del cine, revolucionando Belfast más allá de las fronteras irlandesas. En su fuga, perseguidos por la ley y los medios de comunicación, los críos viven su particular “al margen de la ley“, ignorantes del sentido real de su amistad en una sociedad que les convierte en forajidos que en realidad sólo pretenden escapar de las cadenas que encarcelan su infancia.

Terry Loane explota el potencial cómico de la película, basada en una popular obra de teatro de Owen McCafferty, retratando el dramatismo de la época en Irlanda desde la comedia más desenfadada, por momentos muy divertida (los críos consiguen liarla más allá de los límites de su propia imaginación), basando el relato en las dos encantadoras y convincentes actuaciones de los protagonistas. El resultado es una comedia inteligente, en la que las vivencias de los chavales están siempre integradas en el trasfondo de una época difícil y sombría que se retrata con honestidad y credibilidad suficiente, hasta en los mínimos detalles, entre los que cabe destacar el trabajo de escenografía a cargo de Tom McCullagh en cuanto a ropa, peinados, muebles, decorados… que evocan el período de la década de los 70 de modo muy realista.

Mickybo and me no llegó a estrenarse en España, aunque se puede encontrar en DVD subtitulada. El director irlandés construye un producto generoso y esforzado que, sin ser una gran película, resulta agradable y por momentos, imaginativa y divertida. Su estilo realista y directo, alejado de las sutilezas y complejidades con el que suele etiquetarse el cine europeo, hace del film un producto fresco y muy entretenido que, sin embargo, no permite demasiada profundización en los personajes y sus conflictos más allá de sus resortes melodramáticos. Una película bienintencionada y honesta, buen retrato de una sociedad y una época, recomendable para pasar un rato muy entretenido, aunque con claras limitaciones en cuanto a aprovechamiento de contenido.

Frankenweenie (Tim Burton, 1984)

Frankenweenie es uno de los primeros trabajos de Tim Burton, en el que se muestran muchos de los elementos que caracterizarían el resto de producciones de su carrera: el ansia en temas mórbidos, la combinación entre horror y comedia, los personajes con costuras y en general una buena factura cinematogfráfica que cuenta con pocos trucos tecnológicos y grandes dosis de personalidad e imaginación.

Burton creó Frankenwire en los estudios Disney, donde por entonces trabajaba pintando acetatos o como animador, hecho que le dio la oportunidad de realizar esta adaptación de Frankenstein en la que un niño da vida a su perro que acaba de morir atropellado por un coche. Pero la productora lo consideró excesivamente macabro para el público infantil y el trabajo no salió a la luz hasta pasado algún tiempo, cuando la suerte se alió con Burton, el comediante Paul Reubens vio el trabajo y decidió que Burton era el hombre ideal para dirigir un proyecto sobre el popular personaje Pee-Wee. “La gran aventura de Pee-Wee” resultó un éxito en taquilla y fue el trampolín de lanzamiento del director. En España, Frankenweenie se exhibió por primera vez en algunas salas durante el estreno de “Pesadilla antes de Navidad” y se incluyó en la primera edición en DVD de la película junto al primer cortometraje de Burton: “Vincent“, de 1982.

Parece que Tim Burton tiene intención de adaptar este corto al formato de largometraje para 2010, una vez concluya el rodaje de “Alice in Wonderland“. Todavía no han trascendido demasiados detalles sobre el proyecto, pero se sabe que ha contratado a John August (con quien ya trabajó en “Big Fish“) para que elabore el guión, y que Victor Frankestein, el niño protagonista del cortometraje, se convertirá en adulto para la futura película, lo que equivale casi a afirmar que será Johnny Deep quien encarne el papel protagonista…

Mientras esperamos que se confirmen las noticias, dejo el cortometraje original para que quienes lo conozcan puedan recordarlo y los que no descubrirlo, porque vale la pena verlo al menos una vez. Los actores no son demasiado relevantes, ya que en aquella época Burton era un cineasta del todo ignorado, pero destaca la interpretación de Shelley Duvall en el papel de la madre de Víctor, a quien ya se la había visto trabajando en 1980 con Kubick en “El resplandor” como la inolvidable Wendy y anteriormente con Woody Allen en “Annie Hall” en un papel secundario. Taambién hace una breve aparición de Sofía Coppola dando vida a la histriónica jovencita Anne Chambers.